visualcrackers

ESSEL CONTEMPORARY ART MUSEUM, Austria

2011-10-13T03:24:00.000-07:00

Gibert and George at the Museum of Art Lentos, Linz, Austria

2011-10-13T02:56:00.000-07:00

Venice Biennale 2011 at the Arsenia, Venice. THE ILLUMINATION

2011-09-04T22:39:00.000-07:00

Venice Biennale 2011 at Giordini. THE ILLUMINATION

2011-09-04T21:31:00.000-07:00

Re-Placing the Making - Group Exhibition at Semper Depot, Austria

2011-08-14T22:40:00.000-07:00

An international art exhibition at The Exhibition Space ATELIERHAUS AKADEMIE DER BILDENDEN KUNSTE, 1060 Wien Lehargasse - Ehem. Dreihufeisengasse 6-8, Vienna. Austria on 13 July 2011. Curated by nasir baharuddin and the artists are shima abu hasan, aminah abd rahman, abu hasan ahmad, samsuddin lappo, annabelle Ng,

This exhibition will features the idea of placing and site specific hypotheses about integrating pattern of distance. It tries to cross a new culture border about imagination and spatial representations of a place in relocating the visual imagery to a different setting. Artists were portraying the passion of imaginary and how to put in place as fiction of thought. So, Austria was chosen as a destination in relating the imagination of place as a reality and would be bought in relocating the painting to different readers. It is a suggestion on how a location will be built and speculates a new distance within artistic sensation, which might construct interrelation communication and discover various deliberate meaning.

Re-Placing the Making
Nasir Baharuddin

With ‘make’, ‘place’ comes into being. The place of creation. However, the task of ‘making’ is not merely confined to the ‘re-placement’ of what has been produced. The art of ‘making’ is planned in such a way that its ‘placement’ achieves an all-encompassing reaction to what has been ‘made’. ‘Re-placing’ means to see the connection between what is made with the situation and atmosphere from its existing location to another. This is the outcome when the re-placement of the making is carried out contextually.
The aim is to enable what is ‘made’ to transcend beyond the realm of its place of making, either tangibly or ‘spiritually’. It is hoped that a multitude of images will result from the play of ideas that takes into account socio-cultural context as well as the fictional landscape thoughts of its original environment. The aspiration is to channel the object of these ideas into a language to be ‘read’ at its intended location. Production is the process that gives rise to suggestions on what the information and source of a creation are, and generates pictures on its ability to function as something that is responsive, illustrative and which is capable of shaping views.
This exhibition attempts to show the link between place, through the agency of the visual object, and cultural patterns to be enjoyed as a language that can be interpreted by a diversity of readers. This would be a most interesting observation indeed because the artist wishes to personify the spirit and soul of the ‘self’ while his visual language speaks of ‘codification’ outside its geographical character.
This is evident from the personalities and styles which the artists convey, in the spirit of sharing, through their statements that represent the ‘self’ in relation to their immediate environment. The nature of these dialogues are not meant to set ‘boundaries’. Rather, it suggests a visual language that is more engaging and open, only that these statements are relayed in different manners.
Picasso once said, “While a painting is being done, it changes as one’s thoughts change. And when it’s finished, it goes on changing, according to the state of mind of whoever is looking at it … it isn’t up to the painter to define the symbols.” Picasso went on to say, “otherwise it would be better if he wrote them out in so many words! The public who look at the picture must interpret the symbols as they understand them.” From these two statements, it can be said that ‘production’ invites speculation on the object of production.
The object of production, among others, conceptualizes acceptance, giving, knowledge and change. This means that an art work will constantly suffer changes in its interpretation from the moment a person begins to think until the world around him itself experiences changes. A fragmentation of information which never ends and links different understandings to one another as dictated by his experiences.
A change in place will also give rise to a change in interaction. The change provides a more comprehensive reflection of meaning to the perception to what has been done. The reflection of meaning will engage the artist into a discourse about his art work in relation to the changes in his social surroundings. Hence, it becomes the artist’s responsibility to plan and to know how the reaction to a social setting outside his environment behaves as this will consequently pull audience from outside his own socio-cultural context. As such, the location of the change of place plays a responsive role towards reflection, perception, and review of social reality according to an experience beyond the perimeter of his thoughts.
In other words, when a change in location occurs, it will promote a discursive arena at the placement of production, allowing for interpretation to take place according to the social thinking patterns of that location. Promoting a discursive arena lies with the relationships between location and context of production as well as the choice of language to be used. This is achieved from the object discourse or the image framework structured in a more open and effective manner so as to form a history in the mind regarding the reflection of the picture produced.
The historical picture reflection will act as the background image and process of how an interaction is formed in establishing a more constructive shift of thought. As such, the experience of making provides diversification in the nature of making where its activities become non-static and continue to function in creating values or a change in values. This depends on what is done and its connection with the power of perception and the outcome of interaction.
In fact, the interaction outcome will determine whether a work of art will cross boundaries, be it the boundary that exists within the self, the environment or the social system as well as the cultural activities that are connected to the change of place based on a different worldview. This matter will have a bearing on the definition and functions of art, whether the concept of art is seen from the perspective of beauty and not viewed from outside the boundary of art which can serve to introduce the approach to a person’s state of being. For example, it can be viewed from the aspect of its form of discipline, or its language, the material presented, history and political culture as well as its context of production.
The context of production not only acts as the foundation, it also needs to take into account the question of innovation which will show the dichotomy between commitment and quality according to the role played by the artist’s surrounding. Walter Benjamin explains, “the dichotomy between commitment and quality which informed the contemporary debate around the role and place of artists, stating that rather than presenting an either/or scenario, political commitment or tendency and high quality had to go hand in hand.” Benjamin’s explanation tries to connect work of art as a social product in relation to the context of time, whether the product of the art work is able to leave a mark of production that corresponds with its time.
In other words, the way it is juxtaposed and its connection with the prevailing condition of time. This should be clearly understood since every place and situation, either consciously or unconsciously, will generate a reflection of sign as well as the cultural activities of an environment. As such, every sign that creates an agent from the product of culture will mirror the power of thinking, its status, in addition to the strength of values from the ‘spirit of self’ as the display of image relating to the cultural system it holds. This behaviour of values should be looked at as a picture of an artist’s actions as every production will create a change in language and location and whether it can be turned into an acceptance or will it generate critical reaction from its place of display. The willingness and preparation in creating a location will place a production value to its placement in a responsive manner.
Contemplating about the change of transformation to a place of making causes an artist to play a role and to be committed not only as a form of interaction, but also in shaping a mind shift and able to create a social change on what is being suggested. This is because art not only creates the process of interaction, it is hoped that from the mark it makes, art can also provide a stimulus to the way of life and in the shift of perception to what it should be.
This responsive does not only apply to the artist but also to the audience so that every reflection of production will give a stimulus to a person’s visual system to enable him to experience the existing differences which will later prove to be significant to his life. It is hoped that the artistic marks will give inspiration to various social contexts, and that the attitude of openness towards the boundary of the mind will give a new light and open all kinds of possibilities to be viewed as a suggestion of change.
Although the form of production is in its placement, various fragmentations will take place due to the diverse nature of socio politics. However, it is hoped that this diversity will create opportunities of similar in nature, or to be considered as a continuity with potential. This is what is keenly hoped for as art is not only seen as the clash of values and commitments as well as the way it is presented, but rather how the clash plays a role in the social system of a place as a social reality. It is to be emphasized that every production will give rise to a discursive clash but due to the inherent nature of reality, assessment can be made on what is being suggested and its ensuing reaction.
It is difficult to establish whether a production is truly successful or otherwise as it is subject to a person’s experience and his cultural background. It is also dependent on how the negotiation of acceptance takes place as what is voiced by Arundhati Roy when writing about contradictions on a contemporary Indian writer, “how such a role cannot be fixed or externally regulated, but rather it is a role that needs to be constantly negotiated.” Negotiation is a mechanism where crossborders are seen as an opportunity/a potential that may play a role in creating continuity in the existing location of production.
In a similar scenario, it cannot be denied that there will be an overlapping of aesthetics in the artistic political scenario, but this can be assessed from the aspect of quality, commitment and the form of suggestions as well as ability. What is important is how awareness is created and how change can be effected especially in terms of self space and the availability of reference according to time. An artist should not be wrapped up in his ‘cocoon’ of expressions only but should make the effort to assimilate himself into the social system of not only at the place where he lives but also in the social systems elsewhere. The question of whether an art form is ‘new’ or ‘old’ should not be a point of contention but what should be emphasized is how it functions to weave into to the socio-culture and politics of production.
Whether an art is considered ‘low class’ or ‘high class’ is not fundamental as it is only a template to fill the empty space of an institution so as to feast the eye. It is merely a creation of a visual sensation based on style and trend of materiality and representation. And its discussion is confined within the four walls of that institution only. What is important is how it is able to create a shift in its relationship with the socio-cultural context and politics of a place and see its significance in the ever changing visual language. As what Clement Greenberg advocates about art, “Pastiche, trickling down and bubbling up of high/low culture, and a general blurring of borders and cultures were presented as alternatives to medium specificity, as well as to modernist transcendental ideals. Artists and theorists working within and around feminist frameworks in particular paved the way in the exploration of alternatives to the grand narratives of modernism.”
Consequently, how the role of the ‘soul’ becomes the key basis in the work of art, to surpass genres, geographical and historical backgrounds which operate collectively to be diffused through art space in a gallery or museum. To serve to the public a suggestion of production leading to an event relating to aspiration and innovation of awareness on creation and response. The process that begins in an intimate space and later, spilling into a public space. The aim of every operational can be linked to the diversity of cultures, patterns of thinking and cultural issues in the effort to invite society for a collaborative stand on views and hopes arising from a production. More importantly, it is to build a process of negotiation on the fragments of layers of meaning of everyday life. And later on, to be able to penetrate artistic environment of different contexts, as an assessement and measure of the connectedness of an issue.
In closing, it is hoped that this exhibition will pave the way to a two-way connection through the medium of art production so that for every suggestion, there will be a reflection and not merely existing as a static visual material that is non-responsive or tied around the illustration within ‘a square world’. Further, to show how it is channeled through a package of cultural system of a people and their pattern of thinking and how it is linked into a different system, all stemming from the talk about the ‘beauty’ of a production.

1. Arundhati Roy, 'Shall we leave it to the Experts?', http://www.outlookindia.com/full.asp?fodname=20020114&fname=Arundhati+Roy+%28F%29&sid=1 , p.2, 24/5/2003
2. Beatrice Leal : How art changes in different contexts
http://www.socialistworker.co.uk/art.php?id=10644.
3. An extension thought from Ilaria Vanni : What does art really do? A reflection on art, context and agency.
http haikureview.net/node/31://www.
4. Greenberg, Clement "Modernist Painting" (1961) rpt. in Art in Theory 1900-1990: An Anthology of Changing Ideas. Charles Harrison and Paul Wood Eds. Oxford, UK: Blackwell, 1992, pp. 754-760
5. Walter Benjamin, 'The Author as Producer(1934)', rpt in Art in Theory 1900-1990: An Anthology of Changing Ideas. Charles Harrison and Paul Wood Eds. Oxford, UK: Blackwell, 1992, pp. 483-489
6. A special thanks to Petronas Gallery Curator Badrul Hisham Tahir, Museum Director of Tengku Fuziah, University Sains Malaysia, Hasnul Jamal Saidon, Assistant Curator of National Art Gallery, Faisal Sidik, Raja Mariam Raja Mohammad, and all Malaysian Artists for their contribution in giving the inspiration and thoughtful in writing this article, directly or indirectly.

Vienna Art Fair, Austria.

2011-05-20T01:01:00.000-07:00

A trip to Vienna, Austria. An art Expo of Vienna 13-15 Mei 2011.

Inner-Scape. An Exhibition of BICARA SIFU. An installation at petronas gallery. Kuala Lumpur. Malaysia

2011-04-07T04:57:00.001-07:00

Title : Inner-Scape

Medium : 7000 Plasticized transparencies + Water + Colour Chemical + fluorescent light. Size : (Free Size Installation) Year : 2011

Concept/Methodology

The ‘inner-scape’ is a proposal about combining the interior and landscape design within architectural space composition. It tries to reinvent how the revolution of materials as a new element of presenting and defining interior and landscape spaces into new method of design formation. Created to avoid the conventional definition in perceiving landscape and interior design into constructive methodology, where the revolution of materials becomes a dialogue in processing the design approach and presentation.

STATEMENT

This installation designed to reflect upon the role architecture plays in contemporary society and its relationship within gallery spatial or private spaces. The work conveys an ephemeral event installation by way of new techniques and approaches, which ambiguously projecting what can and can’t be done. The space that accommodates the installation is seen as a flexible spatial surface and the location are thus transformed into a laboratory for spatial experimentation. The used of materials such as lighting devices, plastic transparencies, form and colors formation as a language to opens up the possibilities for interaction and participation into unexpected visual attraction and surprises.

It creates the possibility in transform the work into visual formation of language. About how the idea of presenting and delivering the role of installation as architecture plays for ‘space composition’, invading between space decoration and space interaction. Plastic transparencies that become bricks were arranged with a calculative and programmable setting that can grow and stretch itself to the infinite. It suggests reinventing, readapting and becoming smaller or larger size of formation based how the space being introduced and reconfigured according to what’s most pleasing they are.

BICARA SIFU - Pameran Akademik dari Institusi Pengajian Awam, Malaysia.

2011-04-06T03:09:00.000-07:00

An academic exhibition from the public art institutions in Malaysia.

Senario dan corak penulisan : Kaitan dalam kajian di Malaysia

2011-03-12T23:25:00.000-08:00

Nasir baharuddin

Tulisan ini dilakukan atas pemerhatian mengenai bentuk penulisan dan pengkaedahannya dimalaysia. Terutama dalam konteks hubungkait dengan senilukis Malaysia. ia lanjutan hasil daripada perbincangan dengan tgk Sabri melalui blog beliau off walls off pedestal.

Di Malaysia penulisan seni khususnya mempunyai berbagai pattern/corak: yang paling disukai adalah berbentuk descriptive. Kerana ia berpaksi pada huraian atau lapuran akan sesuatu event. Jadi tak hairan ia bersifat narrative. Refleksinya dalam bidang pengkaryaan seni, interpretationnya juga ia dilaksanakan secara naratif. Oleh itu scenario painting pelukis banyak berwajahkan illustrative. Dengan kata lain ia berbentuk penerangan, umpama lapuran akhbar. Ini bukan bermakna ia tak boleh dilaksanakan tapi yang penting apa significancenya dalam konteks social inquiry. Terutama dalam pembinaan ethical responsibility.

Perlu dijelaskan apabila sesuatu interpretasi dilaksanakan ia tertakluk pada representing socio-cultural meanings. Interpretationnya adalah terletak pada bagaimana seseorang ‘membaca’ atas apa yang dilihat. Kerana apabila ia dikaitkan dalam konteks seni visual ia tertakluk pada image based research dimana pendekatannya adalah secara semiotic, or social semiotics and multimodal texts. Khususnya apabila pelukis itu mengambarkan aksi sesuatu isu dalam masyarakat. Dalam seni lukis/rupa Malaysia, pengkarya jarang melihat ‘rupa’ atau’ imej’ sebagai suatu social semiotics. Ia hanya diangkat sebagai suatu event. Itu saya sering katakan seninya lebih bersifat narrative. Bukan representing meaning. Kerana apabila berpandu pada’ rupa’, interpretationya tak boleh lari daripada social semiotics yang dikutip daripada kefahaman visual anthropology. Soalannya adakah seni lukis Malaya berada dalam kondisi begini. Itu sebab ‘seni rupa malaya’ atau SERUM tak ada derumnya. Jadi tak heran sampai hari ini masih terpingga dengan hala tuju. Kerana kalau pelukis masih berpaksi pada interpretasi wajah ‘rupa’ atau ‘gambar’ maka sepanjang masa lah kita bermasalah. Ini pemerhatian saya, kerana rupa bukan untuk dihuraikan tapi perlu dimaknakan atas kapasiti sesuatu huraian.

Oleh itu dalam menjalankan operational terhadap ‘rupa’ ia memerlukan kepada pengkaedahan ‘observational’ and interpretation. Dan sudah tentu pelayaranya meredah kepada bidang falsafah dan persoalan hermeneutics, phenomenology dan discourse analysis. Dalam kancah perdebatan secara naturalistic inquiry dengan mengunakan pemerhatian/pengamatan secara konstruktif. Sebagai contoh, ‘isu rupa’ terletak pada huraian secara teoritikal yang agak etnografik – kerana kaedah etnografik secara literalnya bermakna menulis/menceritakan tentang sesuatu peristiwa, orang atau ‘rupa’. Olahan maklumat atau data images dirungkai melalui focus group secara naturalistic inquiry dalam kondisi discourse analysis. ‘RUPA’ dikupas secara pendekatan teoritikal dan bukan dibaca sebagai ‘lambang’.

lantas, kadang-kadang operationalnya agak ‘grounded’ bergantung pada sesuatu ‘case’, dan membentuk fakta/data secara explorative. Ini banyak dilakukan oleh clement Greenberg dalam penuisan seninya. Tapi dimalaysia kaedahnya hanya setakat chronological dan illustrative. Tidak secara groundednya. dimalaysia dalam hal ini untuk menampakkan lebih creative dan intellect ia diolah secara ‘penggunaan jargon’ – emphasis pada terminology. Bila tulisan banyak menggunakan jargon maka seseorang beranggapan lebih hebatlah ‘maknanya’.

Ada setengah tulisan berbentuk historical, berlandaskan fakta. Kebanyakan dilakukan oleh sejarawan seni. Methodnya adalah agak tertumpu pada life history and narrative approaches with chronological structures. Percaya dan taksub pada fakta. Oleh itu tak hairan kebanyakan historical life research berbentuk ‘data presentation’. Kaedah ini amat digemari di Malaysia. Ia terbentuk hanya pada bagaimana merancang data dan membina formasi pengetahuan dipersembahkan secara chronological. Bagi sesetengah orang ia amat membosankan. Ia cuma penting sebagai suatu dokumentasi material atau dipanggil archival research.

Seterusnya penulisan secara ‘impact’, impak disini bermakna menulis mengikut sesuatu isu, seperti persoalan gender- soal race, membina polisi, akta dan the politic of the art. Selalunya ia berguna bagi seseorang yang amat gemar pada field work sebagai action research. Jadi kalau kita nak bercerita pasal painting berkenaan kisah kaum lelaki/wanita, sifat perkauman, mencari identity dan sebagainya, jadi inilah paradigmnya. Kalau tak jangan perasan sengaja-sengaja nak buat cerita pasal perkauman dan identity.

Satu lagi tulisan berbentuk idea descriptions atas pembinaan kaedah secara constructive. Ia menjangkau daripada persoalan falsafah, hermeneutic dan seterusnya poststructuralism kepada psychoanalysis. Atau daripada structuralism (kaitan dengan pengalaman di Malaysia Ismail Zain) kepada poststructuralism – radical hermeneutics – yang jauh panggang dari api apabila kita kaitkan dengan scenario di Malaysia. Pelukis dan pengkarya perlu melihat dari kajian ini kalau mahu bercerita kepada pembinaan hala tuju secara progresif. Saya tekankan kerana situasi di Malaysia dan dunia amnya telah dirangka oleh system komunikasi berangkai dan jaringan informasi secara virtual dan simulasi. Suasana seni juga telah dirancang akan suatu predication on achieving rationality. Atau the reaity of actuality that reach us through fictional devices – berpaksi ada sumber ilham dan hubungan antara ‘intersubjective’ kepada ‘intrasubjective. Dan mengarap fiksyen as a screen for a desire. Berperwatakan ‘terbuka’ dan menerima ‘plurality as one’. SOALNYA DI MANA POSISI KITA(PELUKIS DAN PENGKARYA) SEKARANG DALAM MEMBINA SENI LUKIS MALAYA….tepuk dada tanya selera….kalau tidak buat je lah asal laku… cukup….yang mana .akhirnya berbalik pada soal bagaimana perspektif pengurusan di bentuk dan pengetahuannya dilaksanakan. Sebagaimana yang telah dibincangkan sebelum ini.

Dalam pengkaedahan ini kalau dilihat dalam dunia islam ia telah berlaku berkurun yang lalu, alghazali telah menghurai dalam ihya ilumuddin, ibnu arabi – alfutuyat al-makkiyyah yang menceritakan beyond fiction, atau sheikh abdul kadir jailani – the secret of the secret. Atau dalam kitab tajul muluk. Yang mana semua buku2 tersebut apabila dibaca …sampai hari ini tak faham-faham dan bersifat KABUR dan menimbulkan keraguan. Tapi alghazali pernah berkata ‘keraguan adalah suatu kenderaan bagi menuju kebenaran’. Hasilnya bagaimana dunia barat melihat islam sebagai suatu ‘seeking the truth’ dimana berduyun-duyun makhluknya memelok islam atas kapasiti discourse analysis dan inquiry.

hasratnya, semata untuk membentuk dan menyelongkar proses pengetahuan sebagai suatu perkembangan wacana dan bagaimana kesinambungan pengetahuan dapat dibentuk hasil dari cabang pengetahuan.

Cuma yang menuju kepada kebenaran tersebut perlu ada PEDASnya, kerana ia berupa perasa. Supaya ada rasa untuk berubah. Kalau tak pedas ia kurang enak, melainkan kalau seseorang itu ada penyakit buasir. Itupun sebab dia sakit, kalau tidak pedas itu SYOK….bergantung pada kuantiti pedasnya.

tuhan tidak akan mengubah nasib seseorang melainkan dia perlu bangun dan berubah nasibnya sendiri. Hahahaha…….

ulasan forum BMS2010

2011-03-03T05:52:00.000-08:00

seperti biasa pameran bakat muda sezaman bagi tahun 2010 telah berlangsung dengan jayanya serta telah sempurnalah tugas masing-masing. Yang menang pasti menerima hadiah kerana ia berbentuk pertandingan dan ada hadiah. namun agak pelik bahawa dari hasil bicara seni atau forum dan mungkin juga postmortem yang dilakukan baru-baru ini kebanyakannya menyuarakan rasa tak puas hati serta mempertikaikan apakah pendirian dan hala tuju BMS atau kata lain 'bukan menang saja.'. tapi apakah kesannya kemenangan tersebut. dapat juga diperhatikan para pemenang juga terkeliru dengan apa yang dia menang. seolah mereka tak yakin tentang apa yang mereka lakukan serta seolah tak bersedia atas kemenangan tersebut. ini suatu yang menyeronokan.

secara lalu boleh dikatakan kehebatan pemenang seolah tak berapa hebat dan saya yakin mereka cuma masuk-masuk untuk cuba mendapatkan hadiah dari hasil undian kawan-kawan. kerana tahun 2010 formatnya mengikut undi. namun dari reaksi panel dan penuntun rata-rata agak gusar tentang apa yang berlaku, kerana pendirian pun tak terjawab dan halatuju pun nampak kabur. nampak gaya nya seolah pameran ini tak memberi apa faedah. walaupun sesetengah mengatakan ia masih penting. pentiing tu saya rasa kerana mungkin mereka beranggapan mereka ada 'chance' untuk cuba menang lagi bagi tahun-tahun mendatangnya.

tapi dari forum tersebut ada yang mengatakan tiada excitement, kurang impact factor, artis kurang baca, ada kata tak baca sejarah, tak relevan lagi dan sebagainya. oleh itu saya cadangkan pihak tertentu agar tamatkan lah riwayatnya dan bina episod baru. penilaian ini penting dilakukan demi melihat seni tanah malaya ini lebih makmor dan memberi keuntungan yang berlipat ganda demi membina kekayaan budaya negara tercinta ini. amin

Bicara Seni BMSezaman 2010

2011-03-02T02:00:00.001-08:00

Ruang, Subjektiviti dan Evolusi Pengkaryaan

2011-02-06T05:52:00.000-08:00

Nasir Baharuddin

Pada saat ini, lapangan kesenian mengorak beberapa ruang jaringan yang bukan berpusat tetapi bergerak dalam ruang cipta yang menembusi pelbagai arah. Ertinya seni berlaku dari keberhasilan konteksnya samada secara antroposentrik atau diaspora pemikiran secara mengalir. Pengerak seni mulai membuka tirai jaringan cipta kepada beberapa olahan yang bukan lagi statik malah ia mulai mengacau sifat penciptaan kepada bahasa jaringan yang bukan terduga. Sifat ‘subconscious’ yang bukan dirancang ini, menjadikan sebuah kenyataan permasalahan bahasa dan bentuk yang mungkin menarik untuk dilihat dan dibina. Hasil seni bukan lagi ditinjau dari ‘estatika’ yang bersifat ‘sesuatu yang indah’ tetapi ia mulai berpaling untuk menduga bagaimana ruang cipta dijalin sebagai aturan bahasa dan persoalan asas kepada bahasa tersebut sebagai pembinaan objek baru.

Oleh itu, penciptaan terletak kepada aturan bahasa objek, di mana objek adalah ungkapan untuk memberi petanda kepada wujudnya nilai pengetahuan yang mungkin dikatakan ‘sesuatu yang indah, menarik dan teruja’. Nilai pengetahuan dalam perencanaan bahasa objek menjadi penilaian bagaimana aturan estetika diusul dalam membentuk rasa keindahan kerana sifat objek bukan lagi direka atas rancangan menyusun atau melorek gambar tapi kefahaman apa itu dikatakan gambar.

Gambar berperanan sebagai agen, oleh itu apa yang perlu dilakukan adalah melihat apakah subjek yang sepatutnya ada dari agen tersebut.

Jaringan-jaringan bahasa yang dirungkai membina kepada peta-peta komunikatif dari refleksi pencipta mengenai hasrat akan fikirannya untuk mencipta. Perencanaan kepada mencipta bukan sekadar proses gerak dari objek ‘a’ kepada ‘b’ malah berteras daripada ‘generic communicative’ dari apakah rencana bahasa sebagai aturan visualnya. Rencana bahasa mulai difahami sebagai suatu kefahaman membuat gambar melalui peta akal untuk melakar apa yang dilihat dan dibaca. Oleh itu bahasa persepsi bukan lagi dikongkong oleh cantiknya gambar yang dibuat tetapi ‘kecantikan’ itu dibina dari ruang cipta yang dibina oleh bahasa akal dalam menyusun bagaimana setiap ‘possibility’ objek dilihat daripada pengetahuan yang ada.

Sifat objek sememangnya agak sukar untuk ditutur atau juga difahami. Namun kesukaran tersebut dapat diinterpretasi jika objek cipta membuka ruang untuk diterokai dan ingin bertarung dalam mencari dan membuka pilihan-pilihan dalam memperlebarkan jaringan. Sifat objek berlegar bukan sekadar mainan persepsi yang bertindak sekadar ‘kata rasa’ tetapi telah mulai menjelajah kepada suatu ruang cipta daerah pemikiran dan iklim budaya bahasa yang wujud, terutamanya dari data pengalaman dan pengetahuan. Objek sekadar mainan-mainan ilusi yang bersifat kabur, ia hanya rangsangan untuk mata kepada perencanaan akal dalam menyatakan posisi apakah pengetahuannya yang dapat diterima akal.

Ia bukan lagi ‘naratif objek’ yang direncanakan sebagai konsep, bermaksud pencipta sering menganggap ‘konsep yang difahami terbina dari sumber naratif’, maka tidak hairan pencipta bertindak ‘memberi kepada suatu jawapan mengenai ‘apa’ yang dibina, dengan kata lain, bersifat illustratif. Ia perlu bertindak kepada ‘apa ruang’ yang sepatutnya diisi. Pengisian ruang inilah yang perlu direnungi terutama apakah potensi yang ada dalam membina cadangan peta minda sebagai suara kenyataan dan bukan kepada pemberi jawapan…yang sering difahami sebagai ‘konsep’.

Konsep naratif sepatutnya bertindak sebagai bahan kepada ‘generic communicative’ untuk meninjau apakah peluang-peluang baru yang mungkin boleh digerakkan. Ini lebih kepada menemukan apakah kemungkinan yang difikirkan, lantas dapat menjangkau kepada proses ruang dialetikal secara konstruktif. Peta minda pencipta sudah sepatutnya mulai beralih kepada persoalan kenapa ianya begitu? Atau mengapa ia menjadi begitu? Sebagai suatu kenyataan sifat kewujudan dan signifikannya. Bukan lagi sekadar bertindak ‘untuk memberi tahu’ atau dengan kata lain, pencipta sebagai ‘penyampai berita akan wujudnya objek’, tetapi ‘sifat naratifnya sesuatu kenyataan’ adalah lebih baik bagaimana ‘ruang-ruang cipta memberi kemungkinan untuk dicipta’ dari apa permasalahannya sesuatu objek. Perkara ini berkaitan kepada apa yang difahami sebagai ‘generic communicative’ yang diusulkan sebelum ini.

Saya ingin definisikan perkara tersebut sebagai interaksi atau jaringan komunikasi yang lahir antara ruang cipta dengan ruang objek yang berupaya melebarkan explorasi minda kepada suatu ‘extension the diversion of thought’ ….ia umpama mendirikan suatu ‘software’ yang mampu mengeyahkan ‘apa yang wujud itu sebenanya dari benda yang tiada kepada perkara-perkara yang jarang diduga sebagai sesuatu yang ada’, maka software ini akan membantu membentuk sifat ‘generic’ untuk mengisi ‘ruang-ruang kemungkinan dari benda yang tiada kepada ada…atau sebaliknya…’

Justeru, pengamatan dan pengalaman fikiran kepada soalan asas ‘sifat wujud’ merupakan nadi kepada apakah kemungkinan ruang yang sepatutnya di isi. Mungkin merupakan suatu fenomena mengenai apakah pengalaman pencipta tentang apa yang dialami serta bagaimana ruang yang ada dapat dicoraknya sebagai suatu ‘extension of diversion’. Perkara ini mungkin akan menimbulkan kodifikasi dan bahasa secara ‘subconscious’ kepada tindakan dan refleksi yang akan dikonfrantasikan. Namun perlu dinyatakan perbincangan atas sifat konfrantasi bukan untuk bermaksud ‘demoralization oh thought’ tetapi konfrantasi dalam menemukan potensi yang ada sebagai proses wacana yang bersifat ‘generic’.

Kontradiksi yang wujud bukan bersifat pertentangan, tetapi kontradiksi ‘diversion’ di mana ia akan mewujudkan cadangan perubahan dan jelmaan fenomena disiplin akal secara interaktif. Jadi tugasnya, bagaimana mengisi ruang-ruang potensi itu untuk diwujudkan sebagai suatu proses cipta. Perkara ini sering menimbulkan persoalan dan sentiasa bermain di minda, terutama kepada soalan kenapa kita mencipta?, Adakah ciptaan yang dihasilkan hanya ingin memberitahu apa yang sudah di ketahui atau apakah ruang ‘extension’ yang sepatutnya terjadi dari benda yang belum diketahui lagi.

Saya berpandangan kedua ‘proposition’ ini patut difikirkan, kerana antara kedua persoalan tersebut terdapat suatu ‘ruang idea’ yang saya katakan sebagai ‘the gap’. ‘The gap’ iaitu ruang cipta yang bertindak sebagai ruang makna yang baru antara yang nyata dan apa yang didalam minda. Jika sekiranya masih ingin memberitahu apa yang sudah diketahui, maka apakah istimewanya ‘cerita’ yang ada, terutama dari apa yang telah diciptakan untuk dinyatakan sebagai suatu penemuan. “The Gap’ merupakan cadangan pilihan kepada penciptaan ruang cipta. Terutama dalam merancang sesuatu yang belum diduga. Ia sebagai suatu pengisian antara apa yang difahami atau diketahui dengan apa yang belum lagi diketahui. Ia mungkin sebagai suatu spekulatif antara ‘real’ dengan ‘unreal’ atas suasana untuk mengerak sifat ‘diversion’.

Wujudnya objek bukan bertujuan menceritakan gambaran objek, tetapi apakah perkara ‘objek’ itu difahami dan mampu untuk dianalisis. Bermakna bagaimana objek menjadi suatu ‘dematerialization’, yang bertujuan melihat sesuatu yang ‘absent’ sebagai intiti. Intiti kepada yang ‘absent’ menawarkan untuk mencari sesuatu yang ‘kelainan’, supaya perkara yang ‘present’ sekadar suatu manifestasi kesedaran tentang apa yang wujud. Namun yang ‘absent’ bertindak dalam menyumbangkan informasi disebalik nilai intrinsik akal yang ada dengan perkara yang ‘present’. Manakala yang ‘present’ bukan sekadar ‘the material’ tetapi sebagai sebuah objek ‘of consciouness’.

Contohnya apabila perkataan ‘kolam’ diertikan sebagai suatu tempat menakung air, maka pengertian tersebut dapat diertikan juga umpama sup dalam sebuah mangkuk, kerana sifatnya adalah sama-sama menakung. Sup menakung dalam mangkuk dan air menakung dalam kolam. Namun agak pelik apabila dikatakan sup menakung dalam mangkuk, berbeza dengan sifat kolam yang menakung dalam air. Namun yang pelik itu berpotensi sebagai suatu ruang cipta dari ‘unconscious’ kepada ‘conscious’. Jadi ‘the other thoughts of intrinsic value’ hasil dari yang ‘present’ boleh memberi pertalian kepada makna objek dalam mengisi ‘the gap of absent’. Hasratnya ia suatu signifikan anjakan dari apa yang dilihat, kerana sikap penghayat tidak lagi akan bersifat sama dengan apa yang dilihatnya, malah ia berkonfrantasi dengan apa yang dilihatnya. Sebagai suatu pengalaman yang belum lagi diketahuinya, melainkan pemikirannya masih dalam posisi ‘suka lagi kepada adegan naratif yang berpaksikan jawapan’.

Maka sudah tentu ia cuma berhadapan dengan adengan naratif yang menjelaskan tentang gambar. Cerita-cerita gambar inilah yang didagangkan sebagai sebuah konsep yang sering dianggap pembinaan intelektual. Perkara tersebut membuatkan produk seni bersifat layu dan sering ‘tersangka-sangka’ mengapa seni tidak berubah atau kata lain ‘nampak boring’. ‘Nampak boring’ kerana benda yang dilihat menawarkan berita-berita yang sama dari masa kesemasa dalam komposisi yang berbeda dalam pandangan yang telah diketahui. Komposisi yang berbeda boleh dianalogikan sebagai pembaca berita yang membaca berita di saluran yang berbeza tapi beritanya tetap sama. Jadi dalam konteks seni kontemporari, karya bukan lagi bersifat sebagai penyampai berita, atau sekadar justifikasi mengenai proses kreatif membuat produk, tetapi ia menjurus bagaimanakah produknya sebagai interaksi komunikatif atau bagaimana kemungkinan ‘audience’ mengalami suatu nilai pengalaman dari apa yang dicipta dalam menghasilkan ‘interaksi makna’.

Oleh itu, pengalaman estetika bukan sekadar berhadapan produk yang dicipta sebagai sesuatu yang dilihat cantik, tetapi pengalaman tentang nilai bagaimana analisis persepsi mampu menjangkau ruang objek kepada sesuatu yang ingin dicipta. Hasrat kepada penciptaan boleh terjadi apabila kesedaran tentang ruang objek boleh dibentuk dari pengalaman yang bukan sekadar ‘empirical’ tetapi ia terbentuk dari ‘the production of proposition’ atau ‘the inquiry’. Pertanyaan mengenai fungsi bentuk dan ruang bertujuan membina suatu permasalahan kenyataan dalam hasrat menyelami bentuk objek kepada suatu ‘extension’ serta membentuk struktur perencanaan karya. Ia bermakna pencipta telah digerakkan oleh aliran akal (something triggered) dari fenomena persepsi (interface) kepada 'sesuatu' sebagai suatu refleksi. Di sini pencipta berkonfrantasi atau berdialog antara perkara sedia ada dengan apakah perkara yang ingin di syorkan. This reflexive practice is meta-analytic in focus and reveals the plurality of new views, - Graeme Sullivan (2005. Art Practice as Research)

Namun mengikut pengalaman seni visual di Malaysia, kebanyakan pengkarya mengambil objek sebagai tanda kepada bahan cerita. Dengan kata lain data imej diambil sebagai metaphor untuk membentuk sebuah naratif. Ia bukan dilihat sebagai suatu fenomena visual yang membentuk sebuah ‘pertanyaan’ sebagai sistem visual. Ia seolah merakam kembali apa yang dilhat dan hanya diolah sebagai suatu komposisi imej dan diatur mengikut ruang yang ada. Pengkarya hanya terpesona tentang gaya imej yang dianggap idea tanpa sebarang kontekstualnya. Erti lain ia hanya mengambil kembali apa yang dilihat dan dipersembahkan semula sebagai konsep karya.

Pengkarya sepatutnya melihat objek sebagai data assumsi untuk ‘mensyorkan apa yang dilihat’. Aspek pengusulan ini merupakan sesuatu yang dinanti-nanti dan apakah assumsi pengkarya dari apa yang diilusikan boleh memberi potensi kepada pengalaman estetik baru. Konsep penggunaan semula objek/imej perlu dirungkai kepada beberapa syor yang bukan sekadar merakam kembali atas peristiwa lama, tetapi penggunaan yang ditapis supaya apa yang diguna bertukar rupa. Konsep ‘penggunaan’ yang dimaksudkan adalah suatu aktiviti rakaman minda untuk diusulkan sebagai objek yang lahir dari penghayatan untuk dijadikan usulan dalam merubah apa yang di guna. Keupayaan berubah inilah seharusnya dilihat di luar kotak kefahaman objek, di mana apakah sebenarnya benda yang pengkarya cipta. Seperti kisah air yang menakung atau sepinggan sup yang bertakung.

NegaraKU By Zulkifli Bin Yusuf

2010-09-27T02:34:00.000-07:00

negaraku sebuah pameran hasil usaha zulkifli yusuf di Balai Senilukis Negara.

studio visit to Matahati Artists - Hamir Soib and Ahmad Shukri.

2010-08-28T19:52:00.000-07:00

Studio Ahmad Shukri Puncak Alam

hamir Soib Studio, Paya Jaras Sg Buluh.

IMBASAN Lapuran JURI Bakat MUda Sezaman 2006

2010-07-12T23:50:00.000-07:00

Telah menjadi kelaziman, apabila berlaku pertandingan bakat muda sezaman, perkara utama yang menjadi perhatian adalah ‘siapa yang akan menang’, terutama sekali ‘siapa yang akan menjadi pemenang hadiah utamanya’. Namun, bagi pertandingan tahun 2006, ‘hadiah utamanya’ tiada siapa yang beroleh kemenangan. Kesannya, banyak pihak yang tidak merasa puas hati, tertanya-tanya dan malah ada yang kecewa, kerana hadiah tersebut sepatutnya ‘ada pemenangnya’. Tetapi sebaliknya para juri memberi hadiah khas iaitu ‘hadiah juri’ kepada lapan orang peserta serta dua ‘hadiah bina’. Hadiah-hadiah tersebut sekadar untuk memberi perangsang untuk menimbulkan suatu kesedaran dan berharap agar pelukis yang dipilih dapat membina sesuatu untuk kemajuan senilukis Malaysia itu sendiri. Sikap sebegini yang perlu disedari oleh pelukis agar mereka tidak menganggap bahawa pertandingan ini hanya sekadar ‘pertandingan’ untuk mengaut keuntungan semata, tetapi ia sebagai petanda kepada maju mundurnya pembangunan senilukis Malaysia.

Ingin ditegaskan bahawa pertandingan bakat muda bukan sekadar untuk membentuk status individu, tetapi yang lebih penting adalah bagaimana seseorang pelukis itu dapat mencadangkan sesuatu yang lebih bermakna dalam membentuk perubahan senilukis Malaysia itu. Adalah amat malang jika seseorang beranggapan bahawa pertandingan bakat muda hanya sekadar untuk mencari ‘pemenang’ atau mengejar hadiah untuk dimenangi, tetapi dari segi perkembangannya berada dalam situasi yang lama. Para juri ingin melihat kepada suatu perubahan daripada pameran pertandingan yang terdahulu. Yang mana bukan hanya untuk melihat hanya kepada ‘style’ atau rupabentuk baru, tetapi kepada suatu perubahan pemikiran serta proses intelek dalam melonjakkan ‘perkara’ yang lama kepada yang baru. Ini merupakan perkara utama yang dititik beratkan. Ia bukan menang atas gaya dan populariti pelukis atau beberapa kali kerap seseorang itu membuat pameran tetapi, ia dilihat atas inovasi dan perancangannya sebagai seorang pelukis kepada masa hadapan.

Oleh hal yang sedemikian, para juri telah bersepakat pertandingan tahun 2006 tidak mempunyai ‘impact factor’ yang mendokong kepada persoalan inovasi serta perancangan kepada kemajuan senilukis dan pertandingan bakat muda itu sendiri. Ia sekadar suatu pameran senilukis yang lazimnya berlaku dalam mana-mana pameran yang berada sekarang. Tahap pemikiran pelukis yang menyertianya masih berada dalam kefahaman atas status gubahan fikiran formalistik. Dimana suasananya agak pasif tanpa penerokaan dan kajian yang memungkinkan kepada cadangan–cadangan yang baru. Soal pemikiran dan kajian terhadap intipati makna kurang diberi perhatian. Disamping para juri juga tidak dapat melihat suatu lonjakan kepada perubahan penerokaan walaupun pada persoalan ‘medium’nya.

Telah menjadi harapan negara serta peranan balai senilukis negara untuk melihat suatu kemajuan dan fungsi senilukis agar berada kepada tahap yang lebih mencabar dan bersifat global. Dalam proses ini, tanggung jawab pelukis dan institusi seni begitu besar dan perancangan perlu diolah dengan rapi. Pelukis muda malaysia harus mampu dalam mengeluarkan pandangan serta berupaya mencadangkan sesuatu yang lebih menarik bukan saja dari segi pengolahan teknik, malah berupaya membawa suatu perubahan pemikiran samada dari segi mediumnya, bahasanya dan seterusnya dari segi konteks suasana senilukis itu sendiri. Pelukis muda malaysia harus lebih berani atas kesempatan yang ada untuk menerokai peluang-peluang yang lebih mencabar dalam waktu kini, untuk menghasilkan karya yang lebih penting, bukan sekadar untuk melihat atas kepentingan komersial yang hanya memberi santapan pada golongan elitis dan berada saja. Tetapi yang lebih penting adalah dimana para pelukis dapat membina suatu kedudukan seni di malaysia yang lebih dinamik terutama terhadap persekitarannya. Oleh itu, pelukis malaysia perlu membuat kajian dan perencanaan yang lebih mendalam dalam setiap perancangan pengkaryaannya supaya ia dapat merubah suasana senilukis kini kepada perkara yang lebih mencabar dan bermakna.

Dalam hal ini, pihak juri merasakan perkataan ‘pertandingan’ tidak perlu digunakan lagi, kerana ia tidak bersesuaian pada konteks semasa dan harus digantikan kepada suatu penganugerahan yang lebih merangsang kepada proses intelek, komunikasi dan isu terkini. Penganugerahan itu mungkin bersifat ‘grant’ atau ‘research award’ yang mana pelukis yang berjaya perlu menunjukan sesuatu yang penting dari hasil penyelidikan atau dokumentasinya, supaya ia dapat dimenafaatkan oleh pihak balai senilukis negara serta masyarakat umum. Perkara ini dibangkitkan supaya para pelukis yang menyertai pertandingan ini pada masa akan datang tidak lagi mempunyai suatu persepsi yang mudah dan hanya bertujuan untuk ‘menang’. Para pelukis harus sedar bahawa ‘pertandingan’ ini bukan sekadar untuk mencuba nasib atau untuk berseronok berkarya tetapi mereka harus lihat ada perkara yang lebih penting untuk perhatikan.

Maka tidak heran, daripada kajian pihak juri melalui ulasan-ulasan para juri terdahulu melalui katalog pertandingan bakat muda, rata-rata mengatakan bahawa kualiti pertandingan tersebut begitu mengecewakan dari semasa kesemasa samada secara terus terang atau berkiasan. Lanjutan dari kajian tersebut, para juri kali ini bersepakat bahawa, jikalau perkara yang sedemikan tidak menampakkan perubahan dan menafaatnya, maka eloklah pertandingan bakat muda sezaman dimansuhkan. Atau dalam ertikata lain ditukar konsep pertandingan tersebut sebagaimana apa yang telah dinyatakan seperti di atas. Pihak balai senilukis negara harus memikirkan secara mendalam dan lebih ‘serious’ kepada suatu formula atau format baru untuk menilai ‘pertandingan’ atau penganugerahan ini pada masa akan datang.

Pihak balai senilukis Negara perlu mempunyai objektif yang jelas serta kearah mana hasilnya pertandingan tersebut untuk dibentuk. Balai senilukis negara perlu membuat perancangan semula akan penganugerahan ini, dengan mengambil kira faktor semasa serta kedudukan senilukis malaysia itu sendiri. Tidak dinafikan pihak juri berpendapat bahawa ‘petandingan bakat muda sezaman’ adalah suatu platform yang amat penting bagi melihat arah tuju senilukis malaysia untuk bergerak dengan perkembangan yang ada. Namun usaha ini perlulah dilakukan mengikut kepada perubahan senilukis itu sendiri samada dari perspektif tempatan atau dari ruang lingkup antarabangsa. Oleh yang demikian perkara tersebut bukan sahaja terletak kepada peranan balaisenilukis negara sahaja, ia juga bergantung kepada institusi-institusi pengajian seni untuk bersama membentuk suatu perancangan yang lebih dinamik serta mempunyai mekanisma tertentu kearah pencapaian dan mertabat senilukis Malaysia itu sendiri.

Mohd Nasir Baharuddin.
Selaku Ketua Pengadil

Shanghai 's Night

2010-07-07T20:19:00.000-07:00

Water Town City,Wu Zheng, Shanghai.

2010-06-30T21:14:00.000-07:00

world expo shanghai centre pavilion and water dancing exhibition

2010-06-29T04:45:00.000-07:00

World Expo Shanghai 2010

2010-06-29T03:05:00.000-07:00

a wonderful trip to the world expo in shanghai.

some of the most fantastic and interesting pavilions that was being created during the expo. top pictures are the spain, switzerland, korea, turkey, russian and italy and the bottom are the UK pavilion, luxemberg, egypt, mexico, chile, singapore, finland, denmark, saudi arabia, germany, indonesia and china

the impression of an impressionist

2010-05-25T19:40:00.000-07:00

zainal and his wife

a day with zainal, the artist. he whispers about life and light of the green. appreciating monet's and turner's great master piece. enjoying the lovely space of an environment that he had struggle before. life's make him to learn and understand the meaning of happiness, and the impression is a way to talk how the world suppose to be. zainal's impressed the moment he has now. the moment where he feels the whole world is an energy and coming back to a reality.

TWENTY YEARS IN REVIEW

2010-05-20T02:29:00.000-07:00

Zac Lee, Development 1(New Species),
Digital Print, 48in x 48in, 2010

Nirmala Karuppiah, Dancers, Silver Gelatin Ed. 8

by Shalini Ganendra

The thrust of exceptional and notable contemporary art – the world over, is creation of works that through their formation, presentation and/or purpose – captivate, educate and are memorable. Certainly one art market development in the last 20 years is that there is less distinctions between local and international are less, as artists, like all other professionals, participate in globalization and have to distinguish themselves in that mire of competition. Art has become hugely commercial, academic and demanding. Demarcation of high art and merchandising is also blurred.
Malaysia‟s art world has been busy too – developing ideas, artists, public institutions, collectors and patronage. During the last 20 years, the new location for the National Art Gallery opened, very visibly on Jalan Tun Razak. The Gallery has hosted a number of exhibitions and continues to focus on presenting Malaysian art history through programs and curated shows. “NAG”, as it is familiarly called , has launched a newsletter this year, Senikini, which comments and informs on art happenings. The NAG website is a resource for exhibitions, awards and events.
Galeri Petronas opened in 1993 at the Dayabumi Complex and in 1998 moved to the elegant and hi-tech space in the KLCC. The gallery boasts 2000 sq. meters of sleek, circular space.
The Islamic Arts Museum opened in 1999. Its establishment also marked a significant development for the Malaysian art scene because of its international stature and collection. Though not a venue for Malaysian fine arts per se, the museum has contributed to the perception of Kuala Lumpur as a growing cultural centre.
Both the Islamic Art Museum and the National Art Gallery have strong conservation departments, with the much needed expertise to repair damage from the humidity, poor storage and other tropical delights.
With all these attractions, are these institutions drawing in more visitors? A senior artist comments that despite the existence of stronger art venues, visitor numbers have not increased significantly. This is not entirely true. Local visitors now have more to see in KL, and there appears to be increasing traffic at these institutions for specific purposes.
Note also that, Museum visits are not the only way to learn about local art movements (though this writer maintains such visits are crucial for gaining aesthetic insight into local art in local contexts). By setting up physical presences along with active electronic and hardcopy supports – these institutions are participating in the development of the local art scene in a positive and necessary way.
One way to gauge the impact of exhibitions is to read some entries on the numerous blogs and websites that have been launched. Kakiseni, established over ten years ago, was the first site to cover the local happenings including art exhibitions. Last year, Time Out Malaysia , ARTERI and What’s Art set up websites.
Local art fairs and social „ art activities‟ are another measure of KL‟s growing importance as a viable art center. 2007 saw the launch of Art Expo Malaysia, now an
annual event. Galeri Shah Alam held the first Mail Art Festival in Malaysia earlier this year. Kuala Lumpur Design Week 2009 drew in a number of interesting entries with sculpted functional art and design collaborations. Charities and NGOs more regularly raise funds through art auctions and exhibitions.
On the international front, Malaysian artists have been featured in Art Fairs and exhibitions in the USA, UK, Europe, the Middle East, Hong Kong, Beijing, Australia and Singapore.
International Auction houses invested in Malaysia some years back. Sotheby‟s and Christie‟s, particularly, have helped to create interest in art from Asia. Armed with strong PR departments, extensive collector bases, and sturdy reputations – the auction houses provide artists with a short cut to financial success if their works are auctioned well. The houses give collectors peace of mind on provenance and, to a some extent, quality. Sotheby‟s opened a representative office in KL in 1994 and Christie‟s, in 1997. Christie‟s first auctioned Malaysian Artists in 1994 and Sotheby‟s, in 1996.
Mok Kim Chuan, Sotheby‟s Head of Southeast Asian Paintings, comments:
“Origins of collectors of Sotheby’s Southeast Asian Art on a whole have become more international in recent years. Apart from the collectors from Southeast Asian region itself or Southeast Asian expatriates residing in other countries, we are also attracting more collecting from other parts of Asia, as well as from the West. We are seeing more collectors “crossing over” from other categories.”
Ms Ruoh-Ling Keong, Vice President & Head of Southeast Asian Modern and Contemporary Art at Christie‟s, expresses a slightly different view:
“Malaysian modern and contemporary art is characterized by a relatively strong domestic market with a handful of major collectors who enjoy close relationship with artists. At this moment, the majority of Malaysian art and artists are not generally known outside of Malaysia and Singapore, let alone the region of Asia. ….Recently emerging from the increasing cross-exposure of Asian art through art fairs and auction sales, we have seen the works of contemporary artists … gaining attention in the auction market from collectors outside of Malaysia.”
With regard to the identity of buyers of Malaysian art at auction, Keong observes:
“ Major collectors of Malaysian modern and contemporary art at auction are Malaysians. It's a reflection of the character of the art market and a support to their nation artists. The works of Malaysian artists that were auctioned at Christie's mostly have a comparatively matured primary market.”
Auction houses constantly re-evaluate markets and marketing, looking for the next „big area‟. The areas selected need to be sustainable and well managed to maintain credibility. As noted, part of that responsibility falls on local participation. Artists and clients who enter works into auction should be aware that there is the risk of the work not selling after such wide exposure – a consequence that does not help the artist or work.
And when art markets tumble, as they did this year, even the auction houses are severely punished, showing the unfavourable consequences of speculation. Collectors who purchased high (and sometimes questionable quality), now cannot sell. Some have been badly affected – including once prosperous international galleries and dealers who have closed their doors. Hence the comparison of the art markets to stock markets, with the increasing comodification, manipulation, speculation and fraud, common to both.
But not everyone plays auction, nor is inclined to do so. A vital component of any growing art scene is local and individual participation. The websites and blogs, coverage by magazines, television, radio and other media (local and international), along with the growing sophistication of artists and commercial galleries, provides ample information and product. Additionally, newer mediums are being explored and mediums traditionally not considered fine art, e.g. photography, are now more mainstream than every.
New galleries and art advisors are surfacing regularly with exhibitions and projects featuring old and developing talents. There are a growing number of underground movements, not to mention graffiti art. All these activities now have to stand up to the scrutiny of a more informed public.
With this onslaught of information and activity – there is a greater need, (certainly more than there was 20 years ago), to be wary. Audiences should be thorough and discerning when processing this abundance of information. Intuition and time will tell which are the most credible sources, presenting worthy content and advice.
Established artists who have observed and participated in the development of the last two decades provide constructive commentary. Award winning artist Yeoh Kean Thai observes:
“Audiences nowadays are more aware about art but most still lack the critical appreciation of art. Most are still looking for pictures to decorate walls. Collectors still buy what is supposed to be a good investment, but sadly most of them are getting bad advice from some galleries concerned only with selling their goods.”
A similar sentiment is voiced by established artist and theorist, Nasir Baharuddin:
“Collectors are more impressed with commodity rather than inculcating the culture of an art world and its understanding. I need art collectors who bother to understand rather than who just buy work.”
In a New York Times Article on Handling Art (9/6/09), a storage company CEO quipped: “Some Malaysian collectors rent entire apartments just to store their artworks.” What an indication of growth! Be warned though, overconsumption is an indication of over-speculation. There will be many a white elephant left in these storage quarters. So, let us not ask: “ Is yours bigger than mine?” - when the real question should be: “Is yours better?”
We know some collectors are collecting A LOT more, but are there really more collectors? Some artists are doubtful, commenting “ Yes, we do see more individuals parting with 4 to 5 figure amounts to purchase artworks but are there more collectors? ”
This writer asserts there are. Different galleries have varying collector bases, though there is some overlap. By and large, audiences are now disparate and not predictable. The number of artists have increased as well, fueled by growing economic viability of the vocation and a host of art schools providing affordable and costly fine art and design degrees.
The first local art colleges were UiTM and MPIK, both funded by government and established in the early 70's, with western influenced and traditional art. The first private art college was MIA which focused on western art development and Chinese painting. Now, there are numerous private colleges and public universities with art programs. There are also a growing number of art fellowships/residencies hosted by private and public entities, locally and internationally. Malaysian artists are winning international awards. Zac Lee, Yeoh Kean Thai, Nirmala Karrupiah have each won the Freeman Fellowship to Vermont Studios (USA) which tends to jump start artistic careers. Yeoh Kean Thai went on to win a prestigious Commonwealth Art Residency Award 2009 in a highly competitive run up.
In so far as collectors‟ motivations for buying - these continue to be disparate the world over -though there is an increasing emphasis on „investment‟ value. Some buy for decoration, some for social statement, others for investment – some for all of the above. Most reasons may be legitimate – but each come with varying levels of risk.
Regardless of motivations, we must applaud the developments of the last two decades, in the Malaysian art scene. This writer‟s wish for the next 20 years, is to see an increase in museum quality works by artists and in private and public collections, with the corresponding growth in awareness that what we create, collect and endorse should be WORLD CLASS. Nothing less.
©All rights reserved.

APABILA SAMAD SAID MELUKIS SAJAK

2010-05-04T20:20:00.000-07:00

Maka terkunag-kunanglah makhluk seni tampak apabila melihat sajak itu dilukiskan. Mungkin terpingga atas dasar ‘bosan’, ada yang pelik atau ada yang bertanya mengapa samad said melukis ‘kata’ abstraknya, dari sajak yang agak abstrak juga. Ada orang bertanya sejak bila samad said melukis. Anugerah senimannya datang dari melukis atau dari sasterawan. Mungkin dia nak jadi seniman melukis , macam syed ahmad jamal. (apa komen si Ahmad Jamal – seniman Negara – tidak kah tergugat atau sama standard?). dalam hal ini nur hanim perlu diterima kasihkan kerana beliau adalah pembawa samad said kedunia lukisan. Tapi bagaimana samad said sendiri dalam memperkatakan akan hal dirinya sebagai pelukis seni. Tidak kah ia berasa segan pada ahmad jamal atau dengan pelukis lain yang masih berhempas pulas menjadi pelukis dengan pengajian seni yang bertahun dalam menghadapi perkara ini . adakah mereka rela? Tidakkah mereka jealous apabila samad said ditempatkan dengan mudah diruang balai senilukis Negara padahal ramai pelukis lain meleleh air liur sehingga kini masih tak merasa sebagaimana samad said kecapi. Adakah sebab kerana ia seorang sasterawan Negara. Kerana sebelum ini seniman Negara, Syed Ahmad Jamal baru saja melangsungkan pamerannya ditempat yg sama. Maka dia pun kepunan berpameran juga, seperti Syed Ahmad jamal. Kalau begitu, maka lain kali disuruhkan lah jua akan seniman –seniman Negara yang lain isi borang untuk berpameran dibalai senilukis Negara juga.

Setahu saya samad said terkenal dengan ‘salinanya dan tPinkenya’, apa sudah jadi dengan karya sebegitu. Tidak kah beliau ingin menulis novelnya lagi dari melukis. Adakah melukis itu suatu hiburan perasaan bagi nya dari menulis novel yang mana mungkin bagi nya sudah bosan. Atau mungkin bayarannya tidak setimpal dengan harga sebuah lukisan. Atau dia dah ‘fedup’ dengan dunia sasteranya yang amat politikal? Tetapi walaubagaimanapun, pada hakikatnya anugerah seniman Negara itu perlu difikirkan kembali...kerana yang memberinya adalah dari Negara juga. Oleh itu beliau tak boleh persiakan anugerah tersebut dan perlu dilihat akan fungsinya sebagai seniman Negara? Beliau harus berjuang dengan dunia sasteranya dan seharusnya menghasilkan karya sasteranya dengan mantap setaraf anugerah yang diterimanya...beliau seharusnya meletak dirinya setaraf dengan pramoedya anatartur dalam dunia Malaysia. Beliau tak perlu melukis...
Yang pelik mengapa beliau melukis? adakah melukis ini sesiapa saja boleh buat...conteng-conteng maka jadilah ‘art’...boleh jual pula...syok betul! Ditambah pula dengan baca sajak, maka itulah tahap seniman yang tertinggi, serta sempurnalah sifat senimannya yang berbakat itu. Tapi sebaliknya mungkin ada orang lain bertanya...salahkah samad said melukis? Jawapannya tak salah, sebab itu adalah hak dia sebagai seniman? Tapi bagaimana pula pandangan pelukis? Adakah apa yang dibuatnya itu betul?
Sekarang mari kita lihat apa yang dilukis oleh samad said? Oh...dia melukis sajaknya ala-ala abstrak. Macam abstrak expressionist? Dalam hal ini mungkin kita boleh tanya yusuf gani, pakar abstrak expressionist malaysia, macam mana pandangan yusuf gani agaknya? Mungkin beliau amat menyetujui dan terharu akan apa yang dihasilkan oleh samad said. Soalnya mengapa samad said melukis ala-ala abstrak expressionist? Kalau nak melukis tak ada cara lain yang lebih ‘interesting’ lagi ke? Perlu ke samad said melukis ala-ala abstrak expressionist tu? Tanya seorang teman pelukis lain. Kalau joseph kosuth melihat akan kata-kata maka dia pun membuatlah akan kata-kata tersebut, sebegitu juga dengan jenny holzer atau barbera kruger, maka mereka bermain-main kata tersebut secara semiotiknya? Mengapa samad said tak bermain-main dengan kata-kata juga secara visual ala-ala joseph kosuth? atau mungkin ala-ala alahyarham ahmad khalid yusuf, pelukis jawi negara atau ala-ala mark tobey atau cy thombly?

Di petik dari pandangan seseorang : Kalau samad said di dalam pameran solo pertama (Daerah Samad, 2007) yang kelihatan lebih halus, gestural dan meditatif, karya-karya terbaru ini menonjolkan sapuan yang lebih ‘perkasa’, ‘ganas’ dan penuh yakin seiring dengan nuansa yang menyelubungi detik-detik pengkaryaan lukisan-lukisan tersebut. Namun KATA LUHUR (pameran terkini) adalah rakaman visual serta ‘catatan batin bangsa’ sebuah era yang sarat dengan kisah resah gelisah serta gelora seorang sasterawan dalam menongkah sebuah kehidupan, berbaur dengan pelbagai episod yang mengitari daerah bahasa dan bangsanya. Soalnya bagaimana gelora seorang seniman menongkah kehidupan dengan pelbagai episode dalam pernyataan visual yang lebih menyakinkan sebagaimana dilakukan oleh joseph kosuth?
Mungkin beliau boleh berkolaberasi dengan nur hanim, rahmat harun, atau seangkatan dengan nya? Apakata nurhanim and geng? Ini peluang besar ni...bukan senang nak buat show dengan seniman Negara. Mungkin boleh juga...begitu keluhan nurhanim agaknya....mungkin lepas ni samad said buat installation pula.

Tiba-tiba...suatu nada dari seseorang bertanya. Dia ni penyajak juga, pelukis terkenal Negara tapi belum dinobatkan lagi sebagai seniman Negara?
Aku buat sajak dan melukis juga, tapi aku melukis dalam seni lukis dan aku bersajak dalam penerbitan sajak saja. Tak pandai pula aku campur aduk – begitu keluhan latiff mohidin. Setahu ku latiff ni dah lama bersajak dan melukis.
Mungkin dengan cara latiff itu maka tergetar lah inspirasi samad said untuk membuat benda yang sama. Kerana aku penyajak, maka aku pun boleh juga rasanya melukis juga...apa salahnya, latif penyajak dia pun melukis juga, jual ribu-ribu pula!!!...aku pun nak buat serupa dia le...
tapi kalau diperhatikan secara mendalam akan keduanya mungkin agak berbeza atau mungkin sama...apa kata mu... latif dengan pago-pagonya...betul ke samad said tu...syornya eloklah samad said tu menulis novelnya lagi bagus dari melukis...sebab bahasa abstrak visualnya agak kekok....

*gambar dari web balaisenilukis negara.

FINAL YR. 2010. Creative arts UNIMAS Sarawak.

2010-04-15T04:39:00.001-07:00

This year, students performed an explorative integration of new media which engaged in new social process such as the question of self, the evolution of the internet and the deconstruction of the art world.

Art’s affair with technology has led to more than a marriage of materiality, and more than the augmentation of intelligence that high-speed computing power and ubiquitous networks bring to the human condition. The significant outcomes are as much spiritual as biological or social. In this reconfiguration, the idea of art practice has been shifted and we are engaged in a new social process. And as a consequence of the convergence of computers, communications, and biotechnologies, which is leading to the reinvention of the self, the transformation of the body, and relooking perception as ‘bionic’ that informs the highly diversified field of technology-based art.

2009 Shenzhen & Hong Kong Bi-city Biennale of Urbanism\Architecture

2010-03-11T20:00:00.000-08:00

public art and architecture spaces

2010-03-11T19:37:00.000-08:00

Kebebasan Berekspressi

2010-02-18T22:51:00.000-08:00

Kebebasan Berekspresi Dalam Seni Tampak
Mohd Nasir Baharuddin

‘Seni itu bebas, bebas berekspressi’- Kenyataan ini sering didengar apabila dikaitkan dengan pelukis. Bagi pelukis kebebasan berekspressi merupakan sesuatu yang istimewa dan dianggap penting bagi melakukan pekerjaan seni. Namun kegusarannya adakah kebebasan berekspressi itu sebagai sesuatu yang benar-benar bebas dan apakah istimewanya pelukis merasakan dirinya bebas. Konotasi kebebasan memberi pelbagai reaksi yang kebanyakannya disalah ertikan. Adakah kebebasan ekspressi yang dianggap itu mahu menjelaskan bahawa pelukis bebas melakukan apa saja atau pelukis terasa bahawa dirinya bebas melakukan kerja seni pada bila-bila masa. Kata lainnya tidak mengikut masa yang tertentu. Atau merasakan dirinya tidak terikat oleh sesuatu keadaan dan tempat. Atau pelukis boleh bebas berekspressi pada karyanya dengan cara apa sekalipun.

Walau bagaimana tanggapan yang ada, kalau diperhatikan secara mendalam ‘kebebasan ekspressi’ dalam berkarya merupakan suatu pengertian yang agak mengelirukan. Keliru atas kefahaman apakah kebebasan ekspressi pelukis apabila dia melukis, kerana apabila pelukis berhadapan dengan sesuatu karya yang ingin dihasilkannya, perkara ekspressi(emosi) yang dinyatakan akan bersifat terkawal. Terkawal oleh kerana pelukis akan berhadapan dengan suatu kerangka(format) yang perlu dirancangkan. Apabila dikatakan sebagai sesuatu yang akan dirancangkan, sudah tentu aktivitinya perlu disusun. Dalam menyusun aktiviti ini, pemerhatian dan kefahaman akan bertindak secara sedar. Kesedaran yang ada, sudah tentu akan mengawal segala gerak geri perbuatan berkarya dan mengawal pemikiran dalam membentuk perancangan tentang apa yang ingin di hasilkan.

Jadi dimanakah kebebasan ekspressi itu? Lebih lagi apabila kita membuat catan contohnya, Dari awal kepada hasrat untuk membentuk catan, pelukis telah berhadapan dengan suatu sistem, mengenai bentuk dan media. Pemilihan bentuk dan penggunaan media berdasarkan daripada apakah ide, pengalaman dan perasaan yang telah dilalui oleh seseorang pelukis dalam disiplin mencatan. Oleh itu pengamatan dan persepsi yang khusus, falsafah, dan cara keinginan untuk merepresentasi atau permasalahan teknikal yang dihadapi perlu diolah dan dirancang mengikut signifikasi pengalaman. Dan aktiviti pembentukan karya pula sebagai satu cara dalam menerokai dan memahami bentuk pengalaman melalui apa yang dihasilkan. Daripada pengalaman yang dihasilkan itu aktivitinya bukan sesuatu yang dibuat mengikut sesuka hati atau disebut sebagai ‘bebas berekspressi’, tetapi mungkin boleh dipanggil sebagai bentuk ekspressi diri (self expression) dalam memperkatakan ide, contohnya walaupun catan itu hanya dilakar sekadar dengan satu bentuk garisan. Tetapi garisan yang digaris itu adalah merupakan aktiviti yang dirancang dengan skima yang tertentu, yang datang dari pengalaman. Pengalaman yang dijelmakan dihasilkan daripada cara diri pelukis berekspressi mengenai bentuk garisan, bukan ‘bebas berekspressi’.

Cara diri pelukis berekspressi (self expression) di sini bukan bermakna mengikut emosi tetapi menghasilkan bentuk karya mengikut konten tertentu. Ekspressinya adalah tentang interpretasi dan rupa yang dihasilkan melalui medium, supaya kerja akhirnya akan dikendalikan dengan kualiti ekspressi itu sendiri. Lantaran, hasilnya akan diarahkan kepada pandangan ekspressi(expressive view) dalam kontek pemilikan formal dalam karya tersebut(formal properties of the work itself- Susan Langer). Di mana setiap pergerakan cara ekspressi akan menghindarkan permasalahan tentang pencapaian kepada proses mental yang tersendiri, namun perkara ini boleh dilaksanakan pada keaslian motivasi teori ekspressi. Yang mana keaslian dan nilai motivasi karya itu ditempatkan pada imaginasi individu pelukis. Jadi, persoalan ‘diri’, tentang ‘ekspressi diri’ seolahnya telah hilang. Makna lainnya, ekspressi itu hanya terletak atau datangnya daripada sesuatu teori, bukan perlakuan tentang emosi diri.

Perlakuan emosi sifatnya kadang-kadang luar dari batasan kawalan. Bebas beremosi dan bebas berekspressi adalah dua perkara berbeza. Bebas beremosi selalunya berkait kepada perlakuan yang sukar dikawal, berbanding dengan bebas bereksprssi. Bebas berekspressi bermakna perlakuannya terletak kepada ‘cara’ pencapaian mengenai proses mental’, yang sifatnya lebih terkawal. Sifat mengenai proses yang terkawal inilah mungkin merupakan sifat keaslian ekspressi yang menceritakan tentang apa yang diekspressikan. Bukan sesuatu yang hanya sewenang-wenangnya dipanggil bebas dan buat mengikut sesuka hati(emosi). Seringkali didapati pelukis agak terkeliru pada perkara ini, maka hasilnya interpretasi bebas ini sering disalah gunakan. Implikasinya, watak pelukis sering dianggap sebagai hidup yang tidak terarah, dan pelukis pula berpandangan ‘hidup menjadi pelukis adalah sesuatu yang bebas’ bebas melakukan apa saja, dengan alasan ‘kononnya kreatif’. Tak bebas maka tak kreatif. Saya rasa refleksi pemikiran begini sesuatu yang agak silap. Dimana pada waktu perkembangan teknologi dan komunikasi kini, ‘trademark’ pelukis sebagai makhluk ‘insan seni yang bebas’, saya kira sudah tidak ‘valid’, kerana validiti pelukis itu bergantung pada sistem interaksi yang dihasilkannya melalui skima kajiannya tentang apa yang diinteraksikan. Kreativiti dan innovasi bukan dikaitkan dengan bebas, tetapi suatu kajian kepada penjanaan proses kognitif yang melibatkan pencapaian IQ yang tinggi, dan bagaimana ianya dapat menjadi satu saluran kepada asas pertumbuhan ide yang baru. Maka skima IQ inilah yang perlu dibentuk.

Di mana skima yang pelukis hadapi sudah tentu sesuatu yang agak komplek. Kompleksiti ini datangnya daripada naluri mengenai ekspressi itu sendiri. Ini disebabkan ekspressi yang dihasilkan memerlukan perencanaan ide yang rapi, terutama apabila ianya sebagai suatu hasil pembentukan ide seni. Apabila dikatakan ide seni, perkara utama perbincangan sudah tentu ianya agak saintifik. Dikatakan saintifik kerana perkara utama perbincangan seni, titik tolaknya adalah ide. Ini disebabkan apabila perbincangan awal dalam seni berlaku, perkara pokok yang diusulkan adalah, apakah ide yang pelukis ingin disampaikan? Apabila dikatakan ide, ini bermakna setiap benda yang dilakarkan perlu diambil kira. Walaupun ianya satu garisan yang telah diceritakan tadi. Kerana keputusan untuk meletak garisan itu adalah hasil daripada kesedaran atau kajian pelukis tentang ide yang dia ada. Oleh itu kajian idenya terletak pada, apa idenya tentang garisan? Keputusan pelukis dalam memperkatakan idenya tentang garisan, sudah tentu dating dari penyelidikannya tentang garisan dan apakah signifikannya? Kerana kepentingan dan bentuk garisan itu sudah tentu terlebih dahulu di uji kaji. Paling tidak suatu lakaran awal tentang bentuk garisan tersebut, yang mana hasil keputusannya barulah dinyatakan kepada bentuk akhir sebagai suatu karya.

Kesimpulannya, laungan bebas ekspressi pada pelukis perlu diamati kembali kerana istilah bebas ini akan membawa masalah kepada diri. Kerana ekspressi pelukis terletak pada proses karyanya. Proses karya inilah yang diamati oleh penuntun, dan penuntun berhak mempersoalkan mengikut ekspressinya tentang apa yang dilihat, yang mana pelukis sudah tentu tidak akan ada kebebasan dalam menginterpretasi ekspressinya dari apa yang dihasilkan, melainkan pelukis terikat kepada skima ekspressinya sendiri. Akhirnya yang sebenarnya bebas adalah karyanya sendiri, bukan pelukis.

Jogya Biennale 2009.

2010-01-14T02:26:00.000-08:00

Closing Ceremony Jogja Biennale, 10 Jan 2010

2010-01-14T02:04:00.000-08:00

the land of Killing Field, Phnom Phenn, and the majestic of Angkor Wat, Cambodia.

2009-12-29T23:19:00.000-08:00

the majestic of Angkor Wat, SiemReap. Cambodia

the Water House in SiemReap

the people of Campa, Cambodia.

the palace and museum

the killing field

the faces of killing field

the people of phenom phenn

Melihat Karya Seniman Negara SYED AHMAD JAMAL

2009-12-16T00:50:00.000-08:00

Dalam memperkatakan dan melihat hasil karya SAJamal, kita terpesona akan kehebatan beliau dalam mengolah serta memainkan warna dan bentuk-bentuk tiga segi yang berpaksikan semangat ‘fiction’ kisah lagenda puteri gunung Ledang, Gunung Fujiyama dan sebagainya. Disamping memaparkan unsur jiwa keislaman dalam tampak wadah ‘contemporary’, sebagaimana kenyataan beliau “My works have an Islamic soul and a contemporary form.” – Syed Ahmad Jamal – (Ooi Kok Chuen, 2009 SundayTimes). Antaranya juga, Syed Ahmad’s landscape and (early) portrait paintings were stamped with his personal input and style, with traces of analytical Cubism and Abstract Expressionism, before his art matured into a kind of sublimal Symbolism. Terutama semasa beliau memulakan langkah awal sebagai ‘Specialist Teachers Training Institute as principal (1965-73) before he did his master’s in Art History at the University of Hawaii, Honolulu, in 1973. He studied Philosophy in Islamic Art at Harvard in 1974 and that led to the subtle infusion of Islamic elements in his art, helped in part by the resurgence sparked by Ayatollah Khomeini in the early 1980s. Examples of such works are Tawaf (1986), Ruang Qiblat (2004) and Arafah (1999). (Ooi Kok Chuen, dalam SundayTimes Oct 4, 2009).
Beliau telah didedahkan dengan pendidikan dari dunia barat iaitu di Britain, at the Birmingham School of Architecture (1950) and the Chelsea School of Art (1951-55) dan di Amerika Utara “where he studied sculpture at the School of the Art Institute of Chicago, from 1963 to 1964,. There, he was struck by the works of Clyfford Still (1904-80), Mark Rothko (1903-70) and Hans Hoffmann (1884-1966) (Ooi Kok Chuen dalam SundayTimes, Oct 4. 2009). Berlandaskan akan latarbelakang tersebut sudah pasti beliau mempunyai pengalaman luas dalam selok belok senilukis samada pada peringkat negara dan antarabangsa. Retrospektif beliau kali ini merupakan kemuncak kerjaya senilukisnya sebagai seorang seniman yang begitu komited mengenai visi seninya.

Walaubagaimanapun, apa yang tertariknya di sini, saya ingin mengambil akan ungkapan Ismail Abdullah bahwa jika melihat karya SAJ adakah kita menikmati kepuasan daripada bentuk dan warnanya yang garang dan berseri sahaja? Sebagai contoh, sebuah karya lukisan SAJ Gunung Ledang, walaupun dalam bentuk abstrak. Namun memiliki simbol melalui warna dan bentuk geometri yang cuba dikaitkan dengan legenda puteri gunung ledang di Melaka. Lukisan abstrak ini mempunyai elemen visual yang menyatakan pandangan pelukisnya melalui aspek tampakan yang diadun secara halus dan bijaksana. Karya lukisan abstrak expressionisme ini berjaya membayangkan perasaan seseorang yang hendak meminang puteri berkenaan dalam kisah lagenda sultan Melaka. Lukisan ini memaparkan mesej yang berfokus kepada kisah berkenaan. Namun pembacaan terhadap mesej ini amat sukar difahami memandangkan karya ini adalah sebuah karya abstrak yang rupa bentuk visualnya amat arbitrari dan kabur, tidak jelas ikon dan simbolnya. Lukisan ini tidak memaparkan kod atau indeks visual yang mempunyai rujukan yang jelas dalam sistem perlambangan budaya Melayu. – (Ismail Abdullah 2009 – Seni Budaya Media dan Konflik JatiDiri)

Kenyataan Ismail Abdullah (IA) membawa kepada persoalan yang jelas mengenai penggunaan kodifikasi serta pemaparan representasi SAJamal mengenai seni yang ingin dibawanya. Mengikut SAJamal, "As a painter, I want to capture the essence and immortalize it in painting." Soalannya, bagaimana beliau membina permasalahan ‘the essence’ dalam suatu permukaan catan yang terhad, daripada suatu lagenda melayu yang besar. Adakah ‘the essence’ yang diucapkan oleh beliau hanya sekadar membina fakta-fakta teks yang berlambangkan bentuk tiga segi (gunung) yang diimaginasikan dapat membina sebuah naratif visual yang tepat? Benarkah fakta-fakta teks visual tersebut bersifat begitu? Kalau benar, bagaimana fakta teks dari filem Puteri Gunung Ledang, karya Tiara Jacquelina dengan simbol visual yang dimainkan oleh SAJamal. Apa lebih dan apa kurangnya, sebagai suatu karya visual? Adakah karya maha agong SAJamal berupaya membina sejarah seninya berbanding cereka Tiara dalam wadah visual yang lebih efektif? Adakah sudah cukup lambang-lambang yang digunakan SAJamal sebagai suatu essence bagi keseluruhan penceritaan teks melayu yang besar itu?

Jendela diAngkasa (1969)

Tetapi apa yang dapat dilihat dari rencana visualnya, SAJamal begitu mahir dalam memercikan lapisan pelbagai warna-warni dalam dimensi formasi visual yang boleh dianggap sebagai ‘immortalize’ pada setiap karyanya. Mungkin dalam kaedah ini beliau berjaya, terutama dalam karya beliau yang awal, kerana pengaruh Rothko.M, Clyfford Still dan Hans Hoffmann begitu jelas diadaptasinya sebagai suatu perencanaan visual seperti catan Jendela di Angkasa (1969). Warna sebagai subjek yang meliputi seluruh ruang kanvas berjaya menangkap perspeksi dalam formasi kotak empat segi melintang, lantas membentuk perimbangan visual serta dilorek dengan fragmen-fragmen yang terapong memberi ‘myth’ dan tanda tanya secara saikologikal, seperti Rothko dan kawan-kawanya dalam aliran abstrak ekspressionisme. Mungkin dalam kontek ini SAJamal berupaya membawa aliran tersebut kedalam jiwanya dan mampu diterjemahkan sebagai seorang melayu! Tetapi dalam bahasa yang lebih universal. Sebagaimana kenyataan beliau, “I found American paintings bolder and of a larger scale, and they have no reference to any discernible objects, like a tree. It was ground-breaking, not only in terms of size, but I was able to handle the space. I managed to overcome the fear of (big) space, and juggled to find a balance between forms and space,” (Ooi Kok Chuen, 2009).

Namun apa yang kita dapati daripada kenyataan nya, beliau seolah masih berpegang kepada aturan bentuk mujarad yang diadunkan secara formal. Kejelasan beliau mengenai kodifikasi fragmen-fragmen mujarad tersebut masih tidak jelas samada dalam konteks abstrak ekspressionismenya atau jiwa melayunya, terutama nada islam yang dijelaskan. “My works have an Islamic soul and a contemporary form.” (Ooi Kok Chuen, 2009). Bagaimana beliau menterjemahkan tanda-tanda tersebut, lebih-lebih lagi dalam cerekarama visualnya melalui siri-siri Gunung Ledangnya? Bagaimana pula semangat beliau dalam teks Rupa dan Jiwa dalam hal ini? Adakah teks tersebut hanya sekadar sebagai suatu dokumentasi objek sejarah yang mengagongkan rupa bendanya sahaja atau daripada rupa jiwanya? Lebih lagi dalam kaitan beliau pada aliran Abstrak Ekspressionism? Bagaimana SAJamal melihat akan perkara tersebut? Terutama dalam nada kontemporari yang diucapkan? Apa bezanya karya beliau yang dahulu kepada yang terkini. Adakah SAJamal masih mahu meretrospektif dalam gaya yang serupa?

ulasan pameran dan bicara seni raja shahriman - RHYTHM OF THE 21st CENTURY - MONOLOGUES OF RAJA SAHRIMAN

2009-11-30T19:28:00.000-08:00

Rata-rata karya raja shahriman (RS) tiada banyak perubahan dari dulu. Mungkin beliau sudah selesa dengan teknik serta penampilan yang dianggap sesuatu yang brutal, vengeance dsbnya. ini dinyatakan sendiri oleh kurator beliau (juga kakaknya), bahwa kali ini raja shahriman bertempur umpama halilintar. besi-besi diolah dan diputar-putar melahirkan liuk lintuk gerakan persilatan. Disamping itu Tengku Elina menyatakan; 'Rhythm of 21st Century didasari konsep peperangan. Raja Shahriman mengungkap idea menggunakan kepingan fragmen peperangan seperti serpihan bom dan peluru untuk mereka arcanya. serpihan bom adalah simbol kemusnahan sementara peluru mewakili senjata pemusnah. Struktur elemen arca berdasarkan bentuk serpihan bom yang bersifat keras, tajam dan ganas. Namum karya dalam Rhythm of 21st Century sebenarnya bukanlah mengenai tindak tanduk peperangan itu sendiri tetapi sebaliknya ia adalah tentang sebahagian daripada sifat kemanusiaan ". Seperti juga tanggapan prof siti zainun, dalam bicara seni RS, beliau menyatakan karya-karya RS seperti mayat-mayat yang telah hangus bertaburan dan berkecai - seperti baru saja terkena ledakan bom. tapi itu adalah naratif dan simbolisma masing-masing dalam menceritakan sesuatu. malah kenyataan tengku elina agak bercanggah, dimana beliau berkata karya RS didasari konsep peperangan tetapi bukanlah mengenai tindak tanduk peperangan itu sendiri tetapi sebaliknya tentang sifat kemanusiaan. Soalannya mana satu harus diikuti.

Walaubagaimana pun, besinya kali ini agak kelainan, ia kelihatan dibaluti dengan warna hitam dan disirami dengan debu-debu keemasan. penceritaan tentang halilintar dan daging-daging hangus dan apa jua deskripsi yang diucapkan, saya belum pasti mahu mempercayainya. yang pasti RS meletakkan seluruh tenaganya bertutur dengan besi yang diliuknya. baginya besi adalah rakan yang boleh dibentuk mengikut apa yang dia mahu. Justeru, besi yang dibuatnya secara tak langsung berupa manusia atau seperti binatang dari angkasa lepas macam cerita 'alien'. Tetapi apa yang diceritakan sebagaimana apa yang diutarakan oleh kakaknya atau siti zainun tadi, mungkin rekaan mereka. tetapi secara 'real' apa yang saya nampak beliau adalah seorang pakar besi yang boleh mencipta apa saja dari 'besi' mengikut apa yang disukainya. itulah kelebihan dan kekuatan dari karya raja shahriman. mengenai sifat kemanusiaannya tentang masalah peperangan, bagi saya agak rhetorik. Yang saya kenal RS adalah seorang yang komited mengenai bahan yang digunapakainya. Bahan bagi nya adalah darah dagingnya untuk berekspressi. maka itulah ceritanya. Bagi saya sifat kemanusiaannya yang diucapkan olehnya adalah sifat RS sendiri mengenai cara ia berfikir mengenai dirinya dengan besi.

Bagi saya, kelebihan dan kekuatan semangat RS tentang besi perlu ditinjau. mengapakah beliau begitu taksub dengan besi yang diputarnya. saya rasa ini persoalan utama. mengapa beliau memutar besi seumpama beliau memutar 'plastersin'. apakah kelebihan tersebut? mengapa pula kali ini dicatnya besinya. adakah karya terdahulu 'kurang cantik' sebab tanpa cat? serta kali ini mengapa pula RS membuat painting? tidak kah bagi nya 'painting' adalah terlalu fragile berbanding dengan besi. adakah RS juga pakar membuat painting sebagimana ia membuat besi? bagaimana bahasa alamnya terhadap besi dengan bahasa alamnya membuat painting? (bahasa alam adalah perkataan yg digunakan RS semasa FORUMnya). atas dasar ini saya rasa RS perlu memastikan posisinya dalam berkarya?

Kerana dalam memposisikan bentuk karyanya, kita akan lebih memahami akan kekuatan RS terhadap apa yang dilakukan. Memang tidak dinafikan beliau diiktiraf sebagai pelukis terkenal, namun, saya masih tercari akan ketaksuban RS tentang apa yang dibuatnya. ini penting kerana ia telah berjaya meletakkan suatu disiplin terhadap benda yang dibuatnya, sebagai suatu bentuk karya yang dikagumi. mungkin RS perlu lebih jujur dalam menyatakan 'bahasa alam' nya dalam menyatakan ketaksuban melalui karya yang dihasilnya sebagai suatu tatapan dan cadangan perbincangan. bagaimana bahasa alam tersebut dibicarakan dalam posisinya serta bagaimana bahasa tersebut diolah dalam alunan besinya sebagai suatu pernyataan. bukan bahasa tersebut dinyatakan dalam bentuk 'adunan'. kalau adunan maka lahirlah kenyataan seperti yang disuarakan oleh kakaknya atau Prof siti zainun tadi.

maka tak heran berbuyun-buyun cara interpretasi akan keluar mengikut apa saja citarasa yang diinggini samada memuji atau mengeji. maka kelebihan RS dan ketaksubannya tidak diperjelaskan serta memberi implikasi pelbagai dan secara tak langsung akan merosakkan semangat yang ia ada.

komen mengenai Forum - Seni Arca dari kacamata sosial, budaya dan agama, pada 21 nov lepas di Galeri Petronas, KLCC - akan masalah halal haram nya sculpture.

soalan pertama, mengapa kita membuat sculpture. soalan kedua, siapa suruh kita buat sculpture? sculpture dalam bahasa melayu dipanggil arca, kalau sesiapa yang tak faham dipanggil nya patung, atau kalau yang bersekolah sikit dipanggilnya objek 3D. kalau kita anggap sculpture itu patung maka jadilah patung, kalau patung selalunya dalam masyarakat melayu ada unsur 'puja'. kalau dikata 'arca' mungkin pandangannya berbeza, suasana kefahamannya lebih kepada persepsi estetika. kalau 3D mungkin terjemahannya bersifat saintifik. installasi mungkin pula tentang ruang. bermakna keseluruhanya bergantung kepada kefahaman. kalau kefahaman itu berunsur sesat maka sesatlah 'sculpture' yang dibina itu. maka kalau kita definisikan sebagai patung. maka orang yang membuat itu dianggap pembuat patung. diikuti pula oleh orang yang memahaminya sebagai objek patung, maka dia pun melihat nya sebagai 'patung' yang dibuat oleh sang pengkarya tadi. bagi saya sipembuat harus tahu apa yang dibuatnya, sepertimana juga orang yang melihatnya. oleh itu saya ingin kembali pada soalan pertama dan kedua seperti yang telah diajukan. Dimana kefahaman kita perlu di jelaskan dahulu serta bagaimana kita menghadapi situasinya. kerana yang mustahak kenapa karya itu dianggap penting, kalau tidak ia tiada bezanya dengan benda-beda arca lain yang kita sudah lihat.

Saya melihat interaksi komunikasi harus berlaku dalam menjelaskan apa yang dicapai. maka kalau tidak yang buat sesat dan yang tengok pun lagi bertambah sesat. itu sebab kurator akan berucap mengikut apa yang dirasa dan Prof siti Zainun menyuarakan apa yang dirasainya. belum lagi kita tanya berbagai-bagai orang samada tahu seni atau buta seni mengenai sculpture, patung, arca, objek 3D dan sebagainya. pernah kita tanya pandangan mereka?

akhirkata apa yang agak menarik dalam forum tersebut, mana terwujudnya 'sculpture melayu'. ini sesuatu yang seronok untuk di kaji.

STEDEX'09

2009-11-19T23:57:00.000-08:00

Stedex or sustainable tropical environmental design exhibition was officiated by prof radin omar at the foyer of cultural center UPM, malaysia. the exhibition was held in conjunction with the seminar on sustainable tropical environment on the 19th november 2009. it is a selection and collaboration of students and lecturers from architecture dept and landscape architecture dept from the faculty of design and architecture. the show was curated and designed by nasir baharuddin.

basic 2Dimensional study in year One 2009 architecture dept

2009-11-19T23:06:00.000-08:00

the aim of this project basically focus on two dimensional studies which emphasis on the understanding of material and basic design terminology. students involved and defined the selection of the tangible materials, inspired by nature in translating into physical and visual meaning.

first year architectural installation

2009-10-30T01:48:00.000-07:00

Reaksi Bara Hati Bahang Jiwa - Konflik Ekspressi dalam ‘AMOK’ .

2009-10-11T22:07:00.000-07:00

nasir Baharuddin

Pameran lukisan ‘Bara Hati Bahang Jiwa’ memberi tanda soal percanggahan konsep antara penyatuan ekspressionisma Melayu dengan Barat. Konflik ini mencetuskan suatu pertentangan pengaliran transformasi pemikiran abstrak ekspressionisma dengan aksi ‘amok’ yang dikaitkan dengan kondisi orang melayu, sebagai aksi saluran kenyataan perasaan. Persoalannya, adakah kenyataan perasaan itu berlaku terus dari pengalaman intuitif atau suatu tindakan diskripsi imej sebagai bentuk ekspressi. Kalau kita berhasrat untuk mengatur dari deskripsi imej, bermakna penjelasan kita mungkin kepada sifat lakaran, tetapi kalau berlaku sebaliknya, bagaimana pula pengalaman intuitif menjadi sandaran. Peranan kedua aspek ini, agak berbeda, bermakna kalau dilihat daripada sudut lakaran ia lebih kepada ‘acara’ dan kalau dari segi intuitif semangatnya agak intrinsik.

Namun dari rentetan penerangan, kita seolah tidak berpunca. Penjelasan dan interpretasi tidak mendorong kepada makna yang tepat sebagai suatu dialog. Adakah ‘amok’ itu suatu pemberontakan atau ‘amok’ sebagai sandaran kepada ekspressi? Mengamok untuk memberontak lebih bersifat fizikal, kalau ‘amok’ sebagai sandaran ekspressi ia lahir cuma dari sudut deskripsi. Bermakna penceritaan ‘amok’ sekadar sebagai suatu tampalan untuk dikaitkan dengan pengalaman ekspressi. Tindakan ‘amok’ membawa persoalan fenomena bawah sedar yang akan melenyapkan perasaan pengalaman ekspressi.

Taxonomi abstrak ekspressionisma yang dikatakan lahir dari kecenderungan ‘pengambaran pengalaman kerohanian’ dan perlambangan emosi subjektif kepada penerapan mengamok, menimbulkan kemusykilan terutama dari unsur tertibnya. Walaupun ekspressionisma barat menekankan emosi subjektif namun kesedarannya berlaku pada tahap pengamatan objektif yang lebih terencana. Perencanaan pengamatan objektif bertindak sebagai suatu landasan dalam mengawal kuasa ekspressi, lantas ekspressi tersebut dilaksanakan sebagai sistem untuk mengutarakan subjek ekspressi mengikut pengambaran pengalaman intuitif.

Malah penyuaraan abstrak ekspressionisma yang cenderung kepada pengalaman kerohanian atau perlambangan emosi subjektif menimbulkan persoalan dalam kontek interpretasi. Bagaimana transformasi pengalaman emosi subjektif itu berlaku sebagai suatu ‘acara’ yang berkaitan dengan ‘amok’? Adakah ia hanya tercetus dari rasa semangat atau luahan perasaan. Kalau semangat menjadi ukuran, bagaimana pula pertimbangan akal? Oleh itu, tidakkah apabila kita bercatan, ‘mengamok’ itu hanya ‘cara’. Cara kita berekspressi! Jadi bagaimana tentang pengalaman intuitifnya?

Kurator pameran Niranjan Rajah menjelaskan “bahawa dalam penglibatan ini, artis Malaysia menyumbang kepada pembentukan suatu vitalisme ampuh (semangat) dan unsur emosi ganas (amok) yang wujud dalam jiwa kebangsaan kita, lantaran itu membuahkan ekspressionisma peribumi”. Kenyataan ini, seolah menekankan unsur kewujudan jiwa kebangsaan lahir dari semangat dan emosi ganas sebagai suatu sumbangan, lantas terbitnya unsur ini membawa kepada suatu aliran, iaitu ekspressionisma peribumi. Kalau begini keadaannya, ia merupakan satu persoalan besar dalam kontek senilukis Malaysia, kerana ia membawa kepada ketertiban rasional yang kabur terutama dalam pembentukan jiwa kebangsaan kita.

Jiwa kebangsaan berpaksikan adab dan nilai falsafah dalam mencorak sistem budaya kehidupan terhadap kemurniaan. Jiwa yang murni, adalah jiwa yang luhur serta berlatarbelakangkan kefahaman tentang salasilah budaya sebagai suatu kepercayaan, dan kepercayaan inilah yang membina jiwa kebangsaan tersebut. Semangat kepada jiwa kebangsaan membawa kepada cara pemikiran untuk hidup dalam sistem budaya itu sendiri. Ia sesuatu yang tidak terungkap. Oleh itu, bagaimana mungkin emosi ganas (amok) dapat dikatakan sebagai suatu sumbangan dalam membina jiwa kebangsaan. Lebih lagi apabila kita telah bercarakan gila dan amok sebagai suatu ekspressi!

Terdapat suatu penilaian yang berlaku dengan proses perencanaan ekspressi emosi yang dilakukan oleh Jackson Pollock, William DeKooning, Franz Kline, M.Rothko, dimana kita boleh memerhatikan daripada reaksi petikan R.G.Collingwood ‘that true expression was not a simple matter of having an emotion and showing it, because expression meant a coming to self awareness, where the implication of this line of reasoning is that art lies in the mind rather in the object’ . kalau begini sifatnya, adakah dengan aksi yang dilakukan oleh Ahmad Shukri yang “melakar seperti orang gila dan seolah dirinya telah dirasuk” (rujuk katalog pameran) boleh dikatakan sebagai suatu subjek dalam pernyataan ekspressi. Kalau benar, bagaimanakah sifat ekspressi beliau yang dikatakan sebagai orang gila dan dirasuk itu sebagai suatu tertib dalam penyuaraan ekspressi, dan kaitannya dengan ‘coming to self awareness’.

Situasi Shukri mengecat seperti orang gila membawa persoalan, dimana dia akan beraksi pada tahap separuh sedar tentang apa yang dilakukannya. Sifat ‘seperti orang gila’ bermakna separuh naluri saraf kita telah tergolong kepada permasalahan gila, Jadi bagaimana pula kaitan dengan teori Collingwood tadi bahawa ‘art lies in the mind rather in the object’ dengan situasi yang dialami oleh Shukri? Kalau Ahmad Shukri melukis macam orang gila bermakna situasi fikirannya mungkin tak stabil. Dalam keadaan ini bagaimanakah beliau menyarankan ekspressinya sebagai kenyataan ekspressionis. Justeru, kesenian ekspressi memperlihatkan lambang emosi subjektif secara sedar dengan perancangan awal terhadap aksi ekspressi. Perancangan memerlukan suatu pengaturan minda untuk mengatur naluri pergerakan kepada pernyataan imej sebagai suatu tanda untuk proses ekspressi. Penyuaraan aku berekspressi, adalah suatu hasrat dari aturan tentang rasa kesedaran diri melalui pengalaman jiwa sebagai suatu pembentukkan. Kenyataan pengalaman berekspressi, adalah kenyataan daripada kesedaran dalam melakukan sesuatu tindakan melalui pengalaman yang akan dirasai sebelum dan selepasnya.

Kenyataan pengalaman yang dialami, adalah semangat dalam menunjulkan makna ekspressi. Namun kenyatan interpretasi semangat dalam ekspressi, dan kaitan antara amok dan adab, suatu kompilasi persoalan yang amat mengelirukan! Bagaimana aksi amok yang didorong dengan persoalan ‘rasuk’ dikaitkan dengan ‘adab’? Adakah semasa kita mengamuk kita lakukan secara beradab? Interpretasi ‘amok’ saya rasa ia lebih kepada aksi tanpa sedar yang mana selalunya dipengaruhi oleh unsur lain sebagai bahan perantaraan dalam usaha mengamok. Bahan perantaraan ini selalunya dikaitkan dengan penyakit, seperti gila, sawan, panas baran, dirasuk oleh jin dan sesuatu yang lebih mistik atau apa-apa yang bersangkut paut dengan penyakit orang melayu. Pertanyaan juga timbul adakah terminologi ‘amok’ sebagaimana yang disarankan adalah khas untuk orang melayu?, kerana dalam pameran ini ada juga ras lain yang terlibat, adakah mereka meluahkan perasaan mereka dengan cara mengamok seperti orang melayu juga? Atau adakah kita hendak katakan bahawa mereka ini adalah juga berekspressionisma peribumi atau Malaysia yang berlandaskan amok tadi? Iaitu adanya bentuk ekspressi yang dinamakan ekspressi melayu, ekspressi cina dan ekspressi india. Kalau benar kenapa mereka perlu turut serta ‘mengamok’ dalam berekspressi peribumi?

‘Ekspresionisma peribumi’ membawa dua aliran falsafah yang amat berbeza, ekspresionisma lahir dari sudut saikologi dan pengalaman ‘subconscious’, manakala peribumi atas dasar hak.(atau setempat), dimana hak ini berlandaskan kepercayaan falsafah yang terkandung dalam jiwa kehidupan tempat itu sendiri. Bagaimana peranan hak itu dikaitkan dengan konsep abstrak ekspressionisma, dimana konsep tersebut berlatarbelakangkan pengalaman intuitif yang berarahkan physiologikal saikologi Ini membawa pertentangan terminologi bahasa yang amat ketara.

Persoalan juga timbul, bahawa adakah kita perlu ‘mengamok’ untuk berekspressi? Atau adakah orang gila juga boleh melemparkan catnya keatas catan dan kemudian boleh dikatakan sebagai suatu objek seni serta di panggil ekspressi? Jika sekiranya ada, perlukah kita melukis macam orang gila, atau lebih baik kita menyuruh orang gila saja untuk melukis, kerana mereka akan lebih faham tentang rasa naluri gilanya, daripada kita buat-buat jadi gila. Tinjauan perlu dilakukan, kerana sifat neurosis pelukis masih dapat dikawal, walaupun waktu itu pemikirannya seolah jadi gila. Kewarasan fikirannya perlu diambil kira untuk penentuan daripada mana saluran pernyataan ekspressinya timbul. Lantaran, kalau gila menjadi ukuran bagaimana perbezaan catan Shukri dengan menyuruh orang gila membuat catan? Adakah waktu itu orang gila perlu mengamuk juga? Sedangkan dia telah dianggap gila.

Banyak persoalan yang harus diambil kira jika sekiranya ingin dikatakan bahawa orang melayu berekspressi dengan cara mengamok! Terutama melalui catan. Disiplin catan mempunyai kadar lingkungan deskripsi ekspressi yang terhad, berbanding dengan aksi mengamok. Mengamok adalah suatu ledakan tindakan fizikal yang biasanya susah dikawal. Persoalannya, bagaimana tindakan fizikal yang susah dikawal itu, berhadapan dengan suatu kegiatan disiplin bercatan, dimana sifatnya agak terhad? Terhadnya dalam bercatan membawa kepada terhadnya ekspressi kita dalam melakukan tindakan aksi untuk mengamok terutama bagaimana kita mengawal tindakan tersebut apabila kita sedang mengamok. Konsep hilang ingatan ini, bertentangan dengan ‘coming to self awareness’ yang secara keseluruhannya kembali kepada kesedaran tentang rasa diri dalam kegiatan tindakan yang sedar.

Dalam kontek mengamok, kita selalunya akan bertindak secara ‘brutal’, aksi kita akan jadi lebih ganas umpamanya, apabila kita berhadapan dengan catan, kita mungkin akan bertindak seperti melempar cat, memijak-mijak catan, mengoyak malah membakarnya. Pada waktu ini, kewarasan telah hilang dan ini bertentangan dengan tertib ekspressionisma sendiri, seperti Dekooning, atau Rothko meluahkan ekspressi atas dasar emosi subjektif yang didorong dengan unsur ‘coming to self awareness’ berdasarkan kepada ‘art lies in the mind rather in the object’. Dimana kalau kita dapat perhatikan catan Rothko atau deKooning, beliau telah mengawal setiap elemen permukaan, dimana penggunaan alat atau bahannya diolah secara teratur serta berkeupayaan untuk menerokai kesan yang tidak diduga sebagai suatu bentuk ‘pengalaman’. Kepentingan pengalaman ini akan menjadi suatu subjek dalam melahirkan konsep ekspressi serta pengalaman ini juga akan diucapkan sebagai implikasi daripada proses pemikiran yang berlandaskan ekspressi. Dengan lain perkataan, mereka lebih menyuarakan pengalaman ekspressi daripada deskripsi imej sebagai bentuk ekspressi.

Jadi apakah kaitan dengan ‘amok’? Dimana kalau ‘amok’ menjadi subjeknya, bermakna pelukis hanya sekadar melukis secara beremosi dan bagaimana kita hendak menunjukkan emosi tersebut sebagai suatu bentuk pernyataan. Atau mungkin tindakan pelukis hanya boleh dikatakan sebagai suatu ‘cara’ untuk melepaskan ‘rasa geram’. Lantaran ia bertindak untuk melakukan pemberontakan atau protes? Hasilnya kita jadi ‘mengamok’? Bermakna kita mengamok untuk melakukan pemberontakan sebagai protes, kalau begitu sifatnya kita mungkin berada pada tahap ‘melepaskan emosi’. Bagaimana pula aksi penuntun terhadap apa yang dilihatnya? Adakah tujuannya, apabila mereka melihat catan tersebut mereka akan lari atau merasa takut, resah atau mengalami gangguan neorisis yang sama seperti pelukis yang melukis? Dalam kontek ini kita ingin membawa penuntun kearah mana?

Walaubagaimanapun mengikut apa yang ingin disarankan oleh pelukis, mereka mempunyai saranan yang pelbagai, rata-rata ingin menyuarakan pelbagai polemik tentang rasa kekacauan diri dan persekitan. Kalau benar apa yang mereka katakan, tidakkah ini merupakan persoalan isu dan bukan persoalan ekspressi, atau kita mengunakan isu untuk berekspressi. Persoalan isu lazimnya ia membawa kepada persoalan makro dalam penjelasan sejagat. Manakala ekspressi adalah soal intipati dalaman diri yang menjuruskan tentang pernyataan jiwa secara saikologi. Tidakkah kombinasi ini sesuatu yang mengelirukan? Penelitian harus diberikan, kerana persoalan ekspressi bersangkut paut dengan perlambangan emosi subjektif dan pengambaran pengalaman kerohanian sebagaimana apa yang telah disebut pada awal tadi. Dimana interpretasinya mungkin berlegar tentang penglibatan ‘actual physical action’ daripada saduran pengalaman yang mereka pertuntonkan, Perbincangan ini mungkin akan lebih tepat dalam kontek ekspressi. Manakala kalau ia sebagai suatu isu, mengapa kita tidak berbicara tentang isu?. Apakah peranan ‘bara hati bahang jiwa’ itu? Adakah ia sebagai sebutan atau ulasan?

Lantaran ia agak pelik apabila kita ingin kaitkan ekspressi ini dengan kontek aliran ekspressionisma kontemporari Malaysia dimana secara tidak sedar kita telah membatasi corak aliran seni di Malaysia kepada satu format yang tertentu, tidakkah kesan ini membatasi kepada perubahan?. Tercetusnya pamiran ini, saya lihat ia sekadar imbauan sejarah seni abstrak expressionisma Malaysia pada peringkat awalnya, tetapi kali ini dengan nama pelukis yang baru. Soalannya, adakah ini perlu, kerana seni ekspressionis telah berlaku dalam sejarah sebagai tapak awal keujudan seni lukis moden negara ini. Imbauan ini perlu diperhatikan, kerana adakah ia sebagai satu aktiviti kenangan atau perubahan? Kalau disandarkan sebagai suatu perubahan, adakah perlu Abstrak Ekspressionism dalam kontek hari ini? Bagaimana kondisi dan refleksi kita dengan isu yang lebih tercabar?

Artikel ini ditulis hasil dari reaksi tulisan Saudara Niranjan Rajah dalam catalog Pameran Bara Hati Bahang Jiwa di Balai Senilukis Negara. Tahun 2001.

new putrajaya mosque

2009-09-28T02:17:00.000-07:00

catatan seni - Kekeliruan Tampak – dalam penghayatan Seni Tampak

2009-09-04T01:17:00.000-07:00

Penghayatan seni tampak kini telah berganjak kepada disiplin kritik pengucapan yang agak paradoxikal, kerana ia telah berhadapan dengan suatu fenomena baru mengenai pengucapan penghayatan. Keadaan perubahan yang berlaku ini atas kondisi kepada peningkatan ‘visuality’ (penghayatan tampak) dalam kemelut dan cabaran persekitaran budaya kontemporari yang dihadapi. Persoalan baru terhadap sesuatu isu telah menyangkal banyak perkara dalam kehidupan masyarakat dan desakan daripada situasi yang ada memaksa meminda ruang yang lama kepada suatu ‘currency visuality’ (persepsi umum) dengan kuasa pengucapan bentuk yang berpandukan kepada media baru (new media), secara lebih interaktif. Paradigma ini berlaku atas persekitaran ‘visuality’ yang ada, di mana banyak mempersoalkan kepada suatu teks pengucapan yang lebih kritikal terhadap media yang dihasilkan, terutamanya sifat ‘internal coherence of the authors’ atau dalam bahasa lainnya suatu intipati bentuk rangkaian pemandangan pengarang tentang konsep (tanda, sistem, imej, subjek) atau sesuatu bidang (falsafah, sejarah, sains dan seni) kepada apa yang dikonsepsualisekan.
Perubahan daya penghayatan atas suasana yang baru membawa juga kepada pengiringan tentang perubahan ilmu seni dan sejarah seni. Pengwujudan persekitaran telah memaksa kepada suatu rombakan tentang perkara asas aspek penghayatan kepada produksi rejim pengetahuan yang bersandarkan identiti diri melalui konsep dan bidang yang diutarakan. Pembentukan rejim pengetahuan yang berlaku secara tak langsung menyoal kepada sistem pengajaran dan pengetahuan terhadap struktur interaksi yang bukan lagi duduk atas landasan ‘common sense’ atau interpretasi atas dasar ‘rasa’ tetapi diolah daripada objek yang dihasilkan mengikut asas formulasi diri dalam pengetahuan yang berbeza. Kini pengolahan sistem tanda berkembang kepada kuasa graviti pengetahuan yang sistematik dalam membentuk ilmu serta peranannya pada pembudayaan tampak dan medium yang diajukan. Medium bukan lagi sebagai bahan, tetapi ia merupakan teks yang menceritakan suatu ‘figuratif phenomenal’ dalam sesuatu ruang. Ia tanda kepada kuasa si penghayat dalam mengatur pengucapan objek kepada nilai komunikasi dan bagaimana bentuk pengetahuan ilmu komunikasi dapat digarap sebagai penyumbangan dalam membina pengetahuan yang ada.
Justeru, falsafah estetik hanya berperanan untuk membezakan media melalui kriteria dan mengaturnya mengikut nilai hairaki. Ertikata lain, suatu pengucapan mengenai susunan format persepsi mengikut identiti diri dalam mempamerkan kelunjuran tingkatan yang material dan bersifat sementara. Fokus utama sepatutnya lebih menitikberatkan sistem dan unjuran komunikasi mengenai media sebagai suatu makna dan diterjemahkan mengikut kerangka dan lingkungan komunikasi yang dibina. Dalam konteks ini, penekanan pengajian visual (visual studies) secara intrinsik merupakan sumber yang berperanan dalam menyingkap kepada persoalan ‘media sebagai makna’ dan hubungkaitnya dengan pembudayaan seni kontemporari. Agak malang, apabila seseorang hanya berbangga dengan pengolahan yang dikatakan ‘mengikut aliran semasa(kontemporari), padahal format yang dijelmakan telah menyimpang daripada kerangka yang sebenar. Dan menyedihkan lagi apabila literaturnya berada pada tahap yang konvensional. Penyimpangan yang berlaku disebabkan kedangkalan pelukis dalam memahami karakter bentuk(figural) sebagai suatu pengucapan makna. Oleh itu, terdapat suatu kekeliruan interpretasi mengenai apa yang digambarkan dengan apa yang diucapkan. Kedangkalan disebabkan format pengetahuan persepsi masih berlegar dalam nada ucapan mengikut ‘rasa’, di mana keseluruhan kenyataan tiada hairaki nilai yang boleh dijadikan asas perkembangan ilmu dan pembentukan minda budaya visual itu sendiri sebagai disiplin kritikan pengucapan. Kejayaan pengolahan hanya berkisar kepada genre semasa atas publisiti media dan perkembangan sejarah tampak untuk menjadi ikut-ikutan tanpa mengira politik seninya. Kehebatan yang ada adalah kehebatan bertukang dan melakar dalam memenuhi pangilan ekonomi, dimana sifatnya ia sesuatu yang amat menyeronokan.
Kelemahan dan kedangkalan dalam pengutaraan bentuk banyak bergantung kepada sifat kekeliruan yang ada di mana ia seringkali menemui jalan buntu dalam mengarahkan ucapan persepsi atas landasan komunikasi bermakna. Ucapan hanya sekadar ekspressi, dan bukan pernyataan bentuk secara dialogikal mengenai medium dan rahsianya. Kerana boleh dikatakan setiap ‘representation’ objek adalah ‘virtuallity’(maya). Saya beranggapan demikian kerana faktor bentuk bukan sesuatu yang berbentuk, ia adalah ilusi dan bayangan daripada sesuatu kejadian yang dijelmakan melalui pengucapan. Pengucapan adalah nadi kepada perkenalan bentuk yang berfungsi sebagai tanda tanya daripada apa yang direpresentasikan. Perkara ini berkaitan dengan permasalahan falsafah di mana inovasi dan ‘critical of concepts’ lahir seiring dengan kemunculan sejarah ‘media baru’(new media) sebagai rombakan kepada sistem visual. Intipati falsafah memerlukan persoalan baru dalam menangani permasalahan terhadap visuality bentuk kepada kewujudan media baru itu, terutama dalam pernyataan ‘currency visuality’.
Dengan aliran dan perkembangan media baru sudah tentu ia berhadapan dengan cara ucapan yang berlainan, kerana pengutaraan media bukan lagi bersifat dimensi yang mendatar tetapi ia telah berubah kepada ucapan berbentuk maya dalam tatabahasa ruang linguistik falsafah yang berbeza. Kerana pengutaraannya bukan lagi diucapkan dalam sistem estetik yang biasa tetapi suatu lonjakkan falsafah dan kefahaman yang seiring dengan medium yang digunakan. Oleh yang demikian saya melihat keseluruhan konsep perlu dirombak samada dalam pernyataan bentuk visualnya atau perbahasannya, disamping tradisi falsafah terutama daripada mana ia diutarakan, dalam erti lain punca kewujudan sesuatu medium itu lahir atau landasannya. Contohnya, pengucapan bahasa dalam penghayatan catan sudah tentu berbeza dalam pengutaraan installasi(seni pemasangan) kerana ia berhadapan dengan dimensi visual yang amat berlainan. Dalam pengutaraan yang berlainan ini, seseorang tidak mungkin lagi membaca mengikut sistem visual yang lazim, tetapi posisi ini memerlukan kepada dua perspektif kritism iaitu daripada sudut geneologikal estetik dan konsep pengkajian yang dihasilkan daripada new media(media baru) melalui kesan tanda bentuk (tubuh) dan budaya audio visual. Di mana era yang berlaku kini ia bukan lagi membawa kepada pengetahuan disiplin yang tertumpu kepada persoalan imej dan tanda, tetapi kepada era simulasi dengan kenyataan pelbagai gelombang disiplin.
Perubahan sistem wacana amat diperlukan dalam membawa penuntun membaca budaya visual kepada suatu terminologi pengucapan mengikut bahasa persekitaran. Cara melihat dan berinteraksi memerlukan istilah dan kefahaman secara ‘serious’ dimana ia bukan sahaja hanya tertumpu kepada kewujudan media baru (televisual dan digital art) tetapi kepada suatu penelitian terperinci kepada permasaalahan ‘social consequences’. Oleh itu, cara pengucapan dan pengetahuan yang diatur dalam ilmu seni melalui sistem pendidikan perlu ditingkatkan. Dengan adanya lodakan media baru, persoalan-persoalan terkini yang mendominasi ‘mass culture’ memerlukan suatu wacana mengenai peranan komunikasi, bentuk visual (representation) dan perpindahan ilmu(knowledge transformed) yang berteraskan pengucapan ‘science fiction’ dan simulasi – seperti mana terdapat dalam pendidikan, hiburan, perubatan, perhubungan komunikasi, dan pengangkutan di mana perpindahan dan penyusunan semula teknologikal dapat dijana dalam ruang sosial. Semoga pengetahuan dan anjakan maklumat ini akan memberi ruang inovasi dan penciptaan kepada pengalaman ‘of social time and space restructured by the communicational architecture of audiovisual culture’(D.N.Rodowick, 1994. Audiovisual culture and interdisciplinary knowledge) sebagai sumber dan menidakkan kedangkalan terhadap kekeliruan tampak sebagaimana yang berlaku, terutama dalam ‘the distributaion of signs’

*artikel ini telah diterbitkan dlm majalah Masa - Terbitan Oracel Sdn.Bhd

City of Poznan, Poland

2009-09-02T16:48:00.000-07:00

a centre for culture and city of the art

a city of Warsaw, Poland

2009-08-24T18:23:00.000-07:00

manufaktura, Lodz, Poland

2009-08-10T18:47:00.000-07:00

a piece from magdalena abakanowic, a park in Poznan, Poland

2009-08-09T23:56:00.000-07:00

UNRECOGNISED 2001/2002, 112 figures iron cast each ca 210 x 70 x 95 cm. City of Poznan, Cytadela Park

Magdalena Abakanowicz for many years has dealt with the issue of "the countless". She says: "I feel overwhelmed by quantity where counting no longer makes sense. By unrepeatability within such quantity. A crowd of people or birds, insect or leaves, is a mysterious assemblage of variants of a certain prototype, a riddle of nature abhorrent to exact repetition or inability to produce it, just as a human hand can not repeat its own gesture". Each of her figures is an individuality, with its own expression, with specific details of skin. Organic, with the imprint of the artist's fingers. Their surface is natural like tree bark or animal fur or wrinkled skin. Like all her sculptures also these works are unique objects.

Her art has always addressed the problems of dignity and courage. This dignity resistance and will of survival conceal her individual personal affinities to the culture of Poland, the country where she has grown up, to this country’s political situation, and to the realities of existence of an artist, an intellectual. The metaphoric language of her work has achieved a point of junction, which still is a challenge for mankind, for all its sophisticated civilisation. This is the point where the organic meets the non - organic, where the still alive meets that which is already dead, where all that exist in oppression meet all that strive for liberation in every meaning of this word.

On this map the human figure belongs to a vast territory inhabited by crowds and flocks of headless figures. The idea of a crowd has many reverberations in her mind. One of them is the transformation of an individual into a cog. Abakanowicz says: "I immerse in the crowd, like a grain of sand in the friable sands. I am fading among the anonymity of glances, movements, smells, in the common absorption of air, in the common pulsation of juices under the skin...” The entire population of her figures is enough to fill a large public square. They are today over thousand but they have never been seen together. They remain in various museums, public and private collections in different parts of the world. They constitute a warning, a lasting anxiety.

Shy by nature and lonely in the creative process, she has made her contact with people through over one hundred personal exhibitions, which she arranged herself as "still ceremony" hidden behind which she felt secure.
She built out of bronze or stone large "spaces to contemplate", where the tension of space invited the viewer to go between the forms of petrified energy. Each of her forms figurative or non - figurative is rich in its own history. Abakanowicz changed the meaning of sculpture from object to look at into space to experience. - sources by Artur Starewicz
Abakanowic statement:
Banished from Paradise, man found himself confronted by the space of the world. It was a territory unknown and inconceivable as inconceivable as are overabundance or emptiness. He tried to reach unknown powers, raising stones, building areas of special meaning… With the development of society, sculpture began to visualize gods, to glorify leaders, to commemorate history, finally to decorate life. Today, we are confronted with the inconceivable world we ourselves created. Its reality is reflected in art.

.

Stary Browar, Poznan, Poland

2009-08-09T23:00:00.000-07:00

first award catergory shopping mall competition . a concept of combining shopping mall, artistic space and art gallery.

with hafiz at gallery in Poznan, Poland

2009-08-04T01:21:00.000-07:00

art target

2009-08-04T01:04:00.000-07:00

photograph by sabri Idrus.

a collection from germany

2009-08-04T00:19:00.000-07:00

Lamb Kebab In Paris

2009-08-04T00:05:00.000-07:00

ohhh...lazatnya

KW institute Contemp.of Art, Berlin

2009-08-03T23:51:00.000-07:00

bahnhof potsdamer platz, berlin

2009-08-03T02:30:00.001-07:00

Jewish Museum in berlin

2009-08-03T02:15:00.000-07:00

trip to berlin july 2oo9

2009-08-02T23:29:00.001-07:00

berlin modern art museum

chechkpoint charlie

potsdamer platz

berlin train central

trip to paris

2009-08-02T23:15:00.001-07:00

park devilette

Louvre

Pompidou

798 art village Beijing, China

2009-06-16T00:34:00.001-07:00

a trip to Beijing,China

2009-06-16T00:30:00.000-07:00

shadow

2009-06-11T23:55:00.000-07:00

danau desa mahkota

2009-06-11T18:45:00.000-07:00

lake infront of my house

photographic art+tecture - unimas

2009-06-10T20:00:00.000-07:00

the architecture is dynamic and provocative, masculine and elegant. all angles create the exterior monologue of the living space and meaning - a visual paradox within the emptiness and natural objects. The architectural structure describes underlying cognitive processes influencing human perception and natural enivironment. the image was constructed positive and negative to retaining spatial relationships and organization patterns within its own scale.

photo art

2009-06-10T18:57:00.000-07:00

an intention of capturing images through lenses and the mystical events of the object. Exposing the natural phenomena of the existence with new technological perception and digital experiences of a camera. looking at light and the emotion of the subject and representing in between the natural world and the secret of the lenses.

capturing zahir's mosque, Kedah.Malaysia

2009-03-10T00:11:00.000-07:00

A day at zahir mosque. beautiful and holistic architectural representational. a dynamic perspective convention. and spatial interaction, visibly and invisibly, as rudolf arnheim says : the world of images does not simply imprint itself upon a faithfully sensitive organ. Rather, in looking at an object, we reach out for it. with an invisible finger we move through space around us, go out to distanct places where things are found, touch them, catch them, scan their surfaces, trace their borders, explore their texture. it is an eminently active occupation

ergonomic application - a chair design

2009-02-19T23:45:00.000-08:00

the intention of this exercise is to incoorporating the idea of human proportion with the stability of the work. students will experimenting the best way in applying the concept of dimension, embodying the anatomic and physiologic that maximum comfort, efficiency, safety, and ease of use.

antropo installation

2009-01-15T18:56:00.000-08:00

the project refers to the measurement of the human individual for the purposes of understanding human physical variation. Where statistical data about the distribution of body dimensions are used to optimize products or in building space.

exhibition from the land of the grace, galeri chandan

2009-01-14T21:15:00.000-08:00

red painting

2009-01-14T20:45:00.000-08:00

rencana karya bagi “Portrait of a Line” - 2008.

2008-12-27T08:20:00.000-08:00

Perencanaan bentuk catan wujud daripada suatu sifat skima dan aturan objek yang bertujuan merangka struktur melalui bentuk ukuran dan garisan. Ukuran itu terbina dari sifat yang dirangka oleh digit dan garisan kepada objek yang berbentuk empat segi, bulat atau lonjong. Sifat garisan merupakan wajah yang dilihat samada secara ‘tangible’ atau ‘visible’ kepada suatu sifat pemetaan dan corak ilusi yang dibina. Bukan bertujuan membentuk permukaan tapi sekadar permukaan itu sendiri seba gai ‘object of vision’serta lapisannya. Wajah garisan merupakan alunan yang bersifat bukan lagi sekadar sesuatu yang berubah tetapi suatu investigasi terhadap kondisi sifat perubahan itu secara spesifik – mengambil daripada teori etiologi, iaitu suatu kajian ‘chemical’eksperimental, di mana ‘sejarah objek’ – (seperti bentuk garisan umpamanya) merupakan suatu komponan formasi ‘neurosis’ yang mana apabila kerangkanya terbentuk, ia bukan sebagai suatu proses ‘developmental’ – yang sering percaturannya agak historik, tetapi ia lebih kepada proses ‘perulangan’(repetitive) – bagi saya ia sentiasa bersifat ‘kekal’ dan terjurus. Bukan berubah atau katalain berpindah randah. Sifat pengekalan itu sendiri adalah merupakan kepercayaan atas struktur keseluruhan perencanaan dari wajah yang ingin dipaparkan dan sesuatu yang agak mistik. Samada sesuatu kerangka itu datang dari bentuk digit atau ukuran, skima atau dimensi, kesemuanya adalah objek pemetaan perspektif itu sendiri. Kata lain ia suatu pembentukan matrik pengetahuan (matrix of knowledge) sebagai ‘basic laws of knowledge’.

artist and his spaces

2008-12-27T08:03:00.000-08:00

decon. aqua

2008-12-04T00:34:00.000-08:00

a 1st year project that emphasis on the understanding of 3D spaces by using plane structure. it is a small home for fish, where the circulation of the water will interact between the layering of the plane and moving around from one section to another.

a trip to Budapest, Hungary

2008-12-04T00:20:00.000-08:00

environmental art

2008-12-04T00:12:00.000-08:00

In first year, the assignment emphasis on the exploration of medium, basic design understanding and space involvement. The objective is to build up the mechanism of the mind, visual perception and to develop their skills and body performance with nature. In addition, it will help to understand the basis fundamental of visual vocabulary and design grammatology. These exercises combine the spirit of artistic and sensation of nature in architectural design process and human environment

.

environmental art 2

2008-12-04T00:10:00.001-08:00

in Bali at kecak dance.

2008-12-04T00:07:00.000-08:00

a trip to UKingdom&Edinburgh

2008-12-03T19:14:00.000-08:00

site specific : light and sound

2008-12-03T19:07:00.000-08:00

after Jackson's Painting

2008-11-11T00:11:00.000-08:00

in N.York. N.York

2008-11-11T00:06:00.000-08:00